Ils effraient, manipulent, culpabilisent les princesses et nous avec, par empathie. Mais sans eux, les productions Disney n’auraient pas la même saveur ! Les méchants des studios américains constituent un sacré répertoire de personnages aux personnalités travaillées et aux looks improbables, dont les actes nuisibles n’ont jamais totalement réussi à réduire les héroïnes au silence ou à une malédiction sans fin.

Nous vous proposons un classement JustWatch des meilleurs méchants Disney qui excellent dans l’art de faire du mal à leur entourage, avec la liste des films d’animation dans lesquels les retrouver. Tout en vous rappelant où regarder ces productions sur les plateformes de streaming.

1. La Méchante Reine (Blanche-Neige et les sept nains)

Totalement vaniteuse, obsédée par sa propre beauté, la Méchante Reine du dessin animé Blanche-Neige est la première (1937) et la plus iconique des méchantes. Jalouse, froide et cruelle, elle va jusqu’à se transformer en vieille sorcière - vision d’horreur - pour offrir à Blanche-Neige une pomme empoisonnée.

2. Maléfique (La Belle au bois dormant)

Offensée de ne pas avoir été invitée au baptême de la princesse Aurore, Maléfique a gagné en notoriété au fil des années grâce aux adaptations en live-action mettant en scène Angelina Jolie dans le rôle. 

3. Scar (Le Roi Lion)

Le frère jaloux du roi Mufasa, le dénommé Scar, a fomenté un coup d’Etat en s’alliant avec les hyènes. Voix grave, répliques venimeuses et cynisme mordant forment les atours de ce méchant lion qui ne pense qu’à régner en despote. 

4. Ursula (La petite sirène)

Sous l’océan, il n’y a pas que les lumineuses Ariel et ses sœurs mais également Ursula, une sorcière des mers omnisciente et pourvue de tentacules, bannie du royaume de Triton. Pour manipuler la petite sirène, elle utilise la ruse, négociant sa voix en échange de jambes humaines pour pouvoir approcher un beau prince. Machiavélique et démonstrative, Ursula rêve de contrôler les mers et les océans en récupérant le trident royal.

5. Jafar (Aladdin)

Avec son visage aiguisé comme une lame de couteau, Jafar, le vizir d’Agrabah, se verrait bien avec davantage de pouvoir en prenant le contrôle de la lampe magique. Doué pour utiliser l’hypnose et la sorcellerie, il n’hésite pas à transformer Jasmine en esclave et Aladdin en ennemi public n°1. 

6. Cruella (Les 101 dalmatiens)

Dans le dessin animé Les 101 dalmatiens, il y a évidemment les adorables chiots mais aussi l’antagoniste : Cruella, une riche héritière excentrique obsédée par les manteaux en fourrure au point de vouloir capturer tous les bébés chiens pour s’en confectionner un. Sa folie, son imprévisibilité et son absence totale de morale la rendent effrayante ! Sans compter son look avec son inimitable chevelure bicolore ! 

7. Capitaine Crochet (Peter Pan)

Il a à la place d’une main un crochet qui lui vaut son surnom de Capitaine Crochet. Pirate redoutable, il est constamment en conflit avec Peter Pan qui vit sur le même territoire, le Pays imaginaire. Menaçant et rancunier, il est aussi peureux dès qu’un crocodile s’agite dans l’eau. 

8. Lady Trémain (Cendrillon)

Elle a fait beaucoup de tort à la figure de la belle-mère : Lady Trémaine est aussi glaçante que ses filles (Javotte et Anastasie) sont odieuses. Avec son calme légendaire et ses regards pleins de mépris, elle a réduit Cendrillon à l’état de servante, abusant de son pouvoir.  

9. Hadès (Hercule)

Le dieu des Enfers, Hadès, est l’un des méchants les plus charismatiques de Disney. Avec ses cheveux de flammes bleues, son débit ultra-rapide et son tempérament explosif, il complote pour renverser Zeus et dominer l’Olympe. Entre humour noir, impatience et manipulation, il incarne le chaos autant que le sarcasme. 

10. Mère Gothel (Raiponce)

Les mères ne sont pas toujours bienveillantes. Celle (adoptive) de Raiponce, Mère Gothel, est carrément abusive : elle l’élève comme sa propre fille mais uniquement pour exploiter ses cheveux magiques qui lui permettent de rester jeune. Chantage affectif et contrôle psychologique en font une femme très perverse. 

Où voir en streaming les meilleures méchantes et les plus odieux méchants de l’univers Disney ?

Les films Disney n’auraient pas le même charme sans leur méchante ou méchant de service venant perturber l’équilibre des situations. Voici le classement des meilleurs spécimens selon notre ordre de préférence. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

Depuis sa première apparition en 1964 dans les pages de Marvel Comics, Daredevil est devenu l'un des héros les plus populaires grâce à son histoire sombre, son courage et ses dilemmes moraux. Plusieurs adaptations télévisées et cinématographiques ont permis d'explorer son univers riche en drame et action. Voici une liste complète des séries et films Daredevil dans l'ordre chronologique, ainsi que les plateformes où vous pouvez les regarder.

Daredevil (2003)

Le film Daredevil, réalisé par Mark Steven Johnson, marque la première apparition du justicier aveugle sur grand écran. Ben Affleck incarne Matt Murdock, un avocat de jour et justicier masqué la nuit, animé par un sens aigu de la justice. Le récit oppose Daredevil au redoutable Caïd (Michael Clarke Duncan) et au tueur Bullseye (Colin Farrell), dans une ambiance sombre et stylisée. Malgré un accueil critique mitigé, notamment en raison de certains choix esthétiques et narratifs, le film pose les bases de l’univers cinématographique du personnage. Il se distingue par une bande-son marquée par l’esthétique rock des années 2000, des scènes de combat chorégraphiées et une volonté d’explorer le dilemme moral d’un héros partagé entre vengeance et justice. Ce long-métrage, bien qu'imparfait, a contribué à populariser Daredevil auprès du grand public et reste une étape importante dans l’évolution des films de super-héros.

Elektra (2005)

Le film Elektra, suite directe de Daredevil, réalisé par Rob Bowman, se concentre sur le personnage d'Elektra Natchios, incarnée par Jennifer Garner. Ressuscitée après sa mort par des techniques mystiques, elle devient une tueuse à gages solitaire, tiraillée entre sa formation létale et un désir de rédemption. Le film approfondit les dimensions spirituelles et mythologiques de son personnage, en introduisant l'organisation de La Main et des éléments surnaturels plus marqués. Malgré une mise en scène soignée et une volonté de créer une ambiance plus introspective, le film n’a pas rencontré le succès escompté, critiqué pour son scénario convenu et son rythme inégal. Il reste toutefois une tentative notable d’étendre l’univers Daredevil en donnant un rôle central à une héroïne tourmentée.

Daredevil (Série Netflix - 2015)

La série Daredevil, créée par Drew Goddard pour Netflix, est sans doute la meilleure adaptation du personnage à ce jour. Charlie Cox y incarne Matt Murdock, un avocat aveugle le jour et justicier la nuit, dans une approche sombre, réaliste et viscérale. Saluée pour son scénario mature, ses chorégraphies de combat spectaculaires et ses personnages profonds et nuancés, la série aborde les dilemmes moraux de "Daredevil" avec une justesse remarquable. Elle explore également l'impact psychologique de la double vie du héros et ses tensions constantes avec son entourage. Les affrontements avec des antagonistes comme Wilson Fisk (Vincent D'Onofrio) et le Punisher (Jon Bernthal) sont intenses, tant sur le plan physique qu'émotionnel. Portée par une réalisation soignée et une ambiance sombre, la série s'impose comme un incontournable du genre super-héroïque.

The Defenders (2017)

La mini-série The Defenders, crossover regroupant Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage et Iron Fist, est une étape centrale de l’univers Marvel sur Netflix. Les quatre héros s’allient pour affronter l’organisation criminelle La Main, dont les agissements mettent en péril toute la ville de New York. La série mise sur la complémentarité des personnages, leurs conflits de personnalités et leur évolution à travers une alliance fragile mais puissante. Charlie Cox y reprend son rôle de Daredevil avec intensité, tout en partageant l'écran avec Krysten Ritter, Mike Colter et Finn Jones. L’alchimie entre les héros, les combats chorégraphiés et les enjeux émotionnels confèrent à cette série une vraie tension dramatique. The Defenders constitue une conclusion partielle mais efficace à plusieurs arcs narratifs entamés dans les séries solo, en offrant une lecture collective des défis que posent la justice, l’unité et le sacrifice.

Spider-Man : No Way Home (2021)

Le film Spider-Man : No Way Home offre à Charlie Cox une apparition remarquée en tant que Matt Murdock, incarnant l'avocat aveugle dans une scène brève mais symbolique. Bien que sa participation soit courte, elle a un fort impact narratif : Daredevil est officiellement intégré au MCU. Cette inclusion, très attendue par les fans, ouvre la voie à une réintégration complète du personnage dans les futures productions Marvel. L'apparition de Cox a suscité un engouement considérable sur les réseaux sociaux, ravivant l'intérêt du public pour l'univers de Hell's Kitchen. C’est un clin d’œil discret mais porteur de grandes promesses pour l'avenir du justicier masqué.

She-Hulk : Avocate (2022)

Dans la série She-Hulk : Avocate, centrée sur Jennifer Walters (Tatiana Maslany), Daredevil apparaît dans un rôle significatif, permettant d’explorer une facette plus légère et inédite du personnage. Charlie Cox s’y montre à l’aise dans un registre plus comique, sans jamais trahir l’essence du héros sombre et torturé qu’il incarne depuis plusieurs années. Sa relation avec She-Hulk, mêlant flirt, affrontements et coopération, permet de redécouvrir Daredevil sous un jour plus humain et accessible. Les scènes d’action conservent leur intensité, mais sont ici teintées d’autodérision, prouvant que le personnage peut évoluer au sein du ton plus léger du MCU sans en perdre son identité profonde.

Daredevil : Born Again (2025)

La série Daredevil : Born Again marque le retour officiel de Charlie Cox dans un projet entièrement centré sur Matt Murdock. Inspirée du célèbre arc narratif de Frank Miller, cette nouvelle version promet une immersion plus sombre et réaliste dans la psyché du justicier de Hell's Kitchen. Le récit explore les conséquences de ses choix és, ses conflits intérieurs face à la violence, à la foi et à la justice. Avec le retour de Vincent D’Onofrio dans le rôle du Caïd, et l’introduction de nouveaux personnages-clés du MCU, la série marque un tournant majeur dans l’univers Marvel télévisé. La réalisation mise sur une atmosphère plus mature et réaliste, mêlant introspection, action brute et tensions morales à haute intensité. Daredevil : Born Again renouvelle ainsi l’identité du personnage tout en restant fidèle à ses fondations.

Où regarder les séries et films Daredevil en streaming ?

Toutes ces adaptations sont disponibles principalement sur Disney+, ainsi que certaines sur Canal+. Sur JustWatch, vous pouvez facilement vérifier leur disponibilité selon vos abonnements. Cliquez sur les logos des plateformes pour afficher uniquement les contenus accessibles, ou réinitialisez la sélection pour découvrir l'intégralité des adaptations de Daredevil. N'oubliez pas de créer votre liste personnalisée et d'activer les notifications pour suivre toutes les nouveautés liées à votre héros préféré.

Certains films sont connus autant pour leur coût pharaonique que pour leur succès populaire. Cette sélection regroupe les 10 films les plus coûteux de l’histoire du cinéma, sans ajustement à l’inflation. Budgets astronomiques, effets spéciaux spectaculaires et castings impressionnants, découvrez ces productions colossales qui ont marqué l’industrie du divertissement.

1. Star Wars : Le Réveil de la Force (2015) - 407 millions €

Star Wars : Le Réveil de la Force, réalisé par J.J. Abrams, marque le retour très attendu de la célèbre saga galactique. Ce septième épisode, doté d’un budget colossal, replonge les fans dans l’univers emblématique de George Lucas avec de nouveaux héros tels que Rey, Finn et Poe Dameron. Visuellement spectaculaire, le film combine décors grandioses, effets spéciaux révolutionnaires et une bande sonore inoubliable signée John Williams. L’importance de ce budget s’explique en partie par le désir d’Abrams de privilégier des effets pratiques et des décors réels pour une expérience immersive. Un pari réussi qui relance la franchise avec brio auprès d’une nouvelle génération de spectateurs.

2. Jurassic World : Fallen Kingdom (2018) - 394 millions €

Jurassic World : Fallen Kingdom réalisé par J.A. Bayona, prolonge l'aventure préhistorique en emmenant le public sur Isla Nublar, menacée par une éruption volcanique. Le budget massif se justifie par des effets spéciaux impressionnants, des dinosaures toujours plus réalistes et des décors immenses. Le film mélange habilement thriller, aventure et réflexion éthique sur la manipulation génétique. Chris Pratt et Bryce Dallas Howard reprennent leurs rôles avec énergie, tandis que les scènes d’action vertigineuses et le suspense constant justifient pleinement son coût faramineux, confirmant ainsi l'attrait durable de cette franchise légendaire.

3. Star Wars : L'Ascension de Skywalker (2019) - 380 millions €

Star Wars : L'Ascension de Skywalker conclut la trilogie initiée par « Le Réveil de la Force » et réalise une véritable démonstration de moyens techniques et financiers. J.J. Abrams revient derrière la caméra pour offrir aux fans une conclusion spectaculaire, marquée par des batailles spatiales épiques et des décors monumentaux. Le budget immense permet des séquences visuelles particulièrement complexes et riches en effets spéciaux, ainsi qu’un casting prestigieux avec Daisy Ridley, Adam Driver et Oscar Isaac. Malgré les critiques mitigées, la grandeur visuelle et l'ambition narrative du film en font une œuvre incontournable du cinéma blockbuster contemporain.

4. Fast and Furious X (2023) - 346 millions €

Avec Fast and Furious X, la célèbre franchise automobile atteint des sommets en termes de budget et de spectacle. Réalisé par Louis Leterrier, ce dixième opus multiplie les cascades incroyables, les poursuites automobiles extravagantes et les décors internationaux somptueux. Vin Diesel, Michelle Rodriguez et un casting toujours plus impressionnant assurent une performance énergique à la hauteur de l’investissement colossal engagé. Les scènes d'action spectaculaires, tournées à travers le monde avec une démesure assumée, garantissent aux spectateurs une expérience visuelle intense et divertissante, justifiant amplement ce budget record.

5. Pirates des Caraïbes : La Fontaine de Jouvence (2011) - 346 millions €

Quatrième épisode de la saga populaire, Pirates des Caraïbes : La Fontaine de Jouvence, réalisé par Rob Marshall, bénéficie d’un budget spectaculaire pour recréer les aventures légendaires du capitaine Jack Sparrow, interprété par Johnny Depp. Entre des décors exotiques, des effets spéciaux complexes et des séquences en mer impressionnantes, le film se distingue par sa richesse visuelle et son ambition narrative. Ce chapitre, empli de mystère et d’aventure, transporte les spectateurs dans une quête pleine d'action et d'humour, confirmant la popularité de cette saga maritime au coût exorbitant.

6. Avengers : L'Ère d'Ultron (2015) - 333 millions €

Avengers : L'Ère d'Ultron, réalisé par Joss Whedon, rassemble à nouveau les héros Marvel dans un affrontement spectaculaire contre l’intelligence artificielle Ultron. Doté d'un budget impressionnant, le film excelle dans les effets spéciaux époustouflants, les scènes d’action explosives et une distribution composée de stars telles que Robert Downey Jr., Scarlett Johansson et Chris Hemsworth. L'ampleur du film, avec ses nombreuses scènes d'action complexes et sa réalisation ambitieuse, explique largement son coût astronomique. Ce deuxième volet des Avengers a marqué durablement les fans du MCU par son intensité visuelle et narrative.

7. Avengers : Endgame (2019) - 325 millions €

Avengers : Endgame représente le point culminant du Marvel Cinematic Universe. Réalisé par les frères Russo, il conclut de manière épique et émouvante l’arc narratif débuté une décennie plus tôt. Le budget conséquent est pleinement justifié par la complexité des effets spéciaux, les nombreuses batailles spectaculaires et l'immense casting réunissant les personnages clés de la franchise. Le film, devenu culte immédiatement après sa sortie, propose une expérience cinématographique monumentale qui dée largement les attentes du public et garantit une satisfaction visuelle et émotionnelle incomparable.

8. Doctor Strange in the Multiverse of Madness (2022) - 320 millions €

Réalisé par Sam Raimi, Doctor Strange in the Multiverse of Madness explore les profondeurs du multivers dans une aventure visuelle et narrative fascinante. Avec Benedict Cumberbatch reprenant son rôle emblématique, le film bénéficie d’effets spéciaux spectaculaires et de scènes d’action mystiques complexes. Son budget élevé permet la création d’univers alternatifs détaillés et impressionnants, renforçant l'immersion du spectateur dans un récit original, audacieux et captivant, qui mélange habilement fantastique, horreur et super-héroïsme dans un tourbillon visuel sans précédent.

9. Avatar : La Voie de l'eau (2022) - 319 millions €

Avatar : La Voie de l'eau, réalisé par James Cameron, plonge les spectateurs dans un univers visuellement époustouflant, se déroulant principalement dans les fonds marins de Pandora. Ce film, doté d'un budget colossal, utilise des technologies de pointe pour offrir une expérience cinématographique immersive inédite. Cameron, fidèle à sa réputation, pousse les limites techniques et narratives pour livrer une aventure riche en émotion et en action. Le film séduit par sa beauté visuelle exceptionnelle et son message écologique fort, faisant de cette suite un incontournable du cinéma contemporain.

10. Ant-Man et la Guêpe : Quantumania (2023) - 301 millions €

Ant-Man et la Guêpe : Quantumania voit le retour du héros Marvel dans une aventure trépidante à travers le royaume quantique. Réalisé par Peyton Reed, ce film bénéficie d'un budget conséquent pour créer des effets spéciaux spectaculaires et un univers visuellement riche. Paul Rudd et Evangeline Lilly reprennent leurs rôles principaux dans cette production où les protagonistes affrontent des menaces inédites, avec notamment Jonathan Majors dans le rôle de Kang le Conquérant. L'ampleur des séquences d'action et les décors époustouflants illustrant le royaume quantique justifient pleinement l'importance du budget alloué, offrant une expérience visuelle captivante qui élargit significativement le MCU.

Où regarder ces films en streaming ?

Si vous souhaitez (re)découvrir ces films aux budgets colossaux et aux effets spéciaux impressionnants, consultez dès maintenant le guide de streaming JustWatch ! Vous pourrez facilement vérifier sur quelles plateformes comme Netflix, Prime Video, Disney+ ou Apple TV+ ils sont disponibles. N'hésitez pas à utiliser les filtres pour sélectionner uniquement les services auxquels vous êtes abonnés ou cliquez sur « réinitialiser » pour afficher toute la sélection. Pensez également à créer votre liste personnalisée et activez les notifications pour ne rien manquer de vos films préférés !

La mini-série Adolescence s’est rapidement imposée comme l’un des événements télévisuels de ce début d’année. Cette mini-série britannique, aussi maîtrisée que dérangeante, explore de manière frontale l’influence des réseaux sociaux sur les jeunes, et plus particulièrement la propagation des idéologies masculinistes au sein de la manosphère en ligne. En retraçant le parcours d’un adolescent de 13 ans impliqué dans un meurtre, la série interroge avec acuité les dérives d’un monde numérique où haine, frustration et isolement façonnent les esprits les plus vulnérables.

Servie par une réalisation audacieuse en plan-séquence, une tension narrative constante et des interprétations puissantes, Adolescence pose un regard implacable sur la radicalisation silencieuse des adolescents et l’impuissance des institutions à y faire face. Si vous avez été marqué par cette atmosphère oppressante et ces questionnements moraux, voici dix autres séries qui, chacune à leur manière, prolongent cette réflexion sur la violence contemporaine, l’embrigadement, et la perte de repères.

Broadchurch (2013)

Avec Broadchurch, le duo David Tennant et Olivia Colman nous plonge dans l’enquête autour du meurtre d’un jeune garçon dans une petite ville du littoral britannique. La série brille par sa manière de capturer le deuil collectif, les tensions au sein d’une communauté repliée sur elle-même, et la méfiance grandissante entre voisins. Comme dans Adolescence, chaque personnage est porteur d’un é trouble, et la vérité se dévoile au fil d’une enquête sobre et poignante. Broadchurch réussit à entrelacer les émotions personnelles et les dynamiques sociales, en explorant comment une tragédie peut révéler les fractures d’une communauté. C’est un drame psychologique intense, où le suspense s’entrelace avec l’exploration fine des sentiments humains, servi par une écriture sensible et une ambiance pesante.

Happy Valley (2014)

Happy Valley suit Catherine Cawood, une policière déterminée du Yorkshire, confrontée à ses démons és et à une affaire de kidnapping qui dérape. La force de la série réside dans la puissance de son personnage principal, brillamment interprété par Sarah Lancashire, et dans son écriture à la fois dure et empathique. Les décors réalistes, la brutalité sociale et les dilemmes moraux rendent chaque épisode poignant. Happy Valley partage avec Adolescence ce ton brutal mais émotionnellement authentique, où la justice n’est jamais unidimensionnelle et où les héros sont aussi faillibles que courageux. C’est une série crue, humaine, terriblement prenante, et d’une rare justesse dans son traitement des violences et des conséquences psychologiques sur les victimes comme sur les enquêteurs.

The Chef, la série (Boiling Point, 2021)

Créée par James Cummings, Stephen Graham et Philip Barantini, The Chef (titre original : Boiling Point) est une série britannique immersive se déroulant dans les coulisses d’un restaurant londonien sous tension. Chaque épisode est filmé en plan-séquence, une prouesse technique qui accentue la pression constante et le réalisme du quotidien en cuisine. Comme dans Adolescence, l’image sert ici un propos social fort, et la mise en scène brute nous plonge dans l’urgence émotionnelle des protagonistes. Avec son intensité sensorielle et son regard lucide sur les relations de pouvoir, The Chef est une série aussi haletante qu’émotive.

Unbelievable (2019)

Inspirée d’une histoire vraie, Unbelievable retrace le parcours d’une jeune femme accusée de fausse déclaration de viol, tandis que deux enquêtrices poursuivent la piste d’un agresseur en série. La série est bouleversante par la manière dont elle montre le traitement injuste réservé aux victimes, les failles systémiques de la justice et le chemin pénible vers la vérité. Toni Collette et Merritt Wever livrent des performances saisissantes, dans une mise en scène sobre qui privilégie l’écoute et l’émotion contenue. De manière similaire, Adolescence explore les conséquences de l'influence néfaste des réseaux sociaux sur les jeunes.

Toxic Town (2025)

Toxic Town s’intéresse à un scandale sanitaire survenu dans une petite ville britannique, où les autorités ont longtemps minimisé les dangers environnementaux. Cette mini-série dénonce le poids des lobbys, l’injustice faite aux citoyens et la lenteur des procédures juridiques. On y suit le combat d’habitants ordinaires face à des institutions hostiles, dans une narration serrée où les enjeux personnels croisent l’intérêt collectif. Les deux séries illustrent la vulnérabilité des individus face à des structures institutionnelles qui échouent à les protéger, que ce soit contre des dangers environnementaux ou des influences sociétales délétères. Avec un équilibre entre drame familial, tensions collectives et quête de justice, Toxic Town marque par son engagement, sa puissance narrative et son regard lucide sur la responsabilité politique.

Dans leur regard (When they see us, 2019)

Créée par Ava DuVernay, Dans leur regard raconte le calvaire des "Cinq de Central Park", cinq adolescents noirs accusés à tort de viol en 1989. Cette série poignante décrit avec une justesse rare les injustices raciales, la manipulation policière et le déni de justice. À travers une narration en quatre actes, elle explore les trajectoires individuelles, l’impact de la prison et la reconstruction après le drame. Les deux séries partagent une sensibilité commune : elles plongent au cœur de l’adolescence confrontée à une violence insoutenable, racontée du point de vue des jeunes eux-mêmes. L’interprétation des jeunes acteurs et la mise en scène émotive font de Dans leur regard une œuvre essentielle, nécessaire et inoubliable sur les biais systémiques et les réparations symboliques.

The Night Of (2016)

Avec The Night Of, HBO livre une série sombre et magistrale sur un jeune homme accusé de meurtre à New York. Le récit détaillé de son arrestation, de l’enquête et de son age en prison montre les rouages broyeurs du système judiciaire américain. Le personnage principal, incarné par Riz Ahmed, incarne l’innocence broyée par une institution qui doute avant même de juger. Les deux séries partagent une approche narrative immersive, plongeant le spectateur dans le quotidien des accusés et de leur entourage. Elles offrent une critique sociale, mettant en lumière les défaillances des systèmes censés protéger les individus. John Turturro et Riz Ahmed livrent des prestations d’une justesse impressionnante, dans une série immersive, déchirante, qui interroge le spectateur à chaque détour de son intrigue sobrement tendue.

L’affaire Jacob Barber (Defending Jacob, 2020)

Dans cette mini-série adaptée du roman de William Landay, un procureur voit son fils accusé de meurtre. L’Affaire Jacob Barber explore la frontière floue entre amour parental, vérité et justice. La série interroge profondément le doute, la culpabilité présumée et les choix impossibles face à l’amour inconditionnel. Portée par Chris Evans dans un rôle dramatique fort, la série plonge dans les tensions familiales, les secrets enfouis et le poids des apparences. À l’instar de Adolescence, elle questionne la culpabilité, les non-dits, les apparences trompeuses et la manière dont les institutions traitent la jeunesse. Un thriller émotionnellement intense et psychologiquement troublant, à la tension insidieuse.

Criminal : Royaume-Uni (Criminal : UK, 2019)

Criminal : Royaume-Uni repose sur un concept minimaliste mais redoutablement efficace : tout se déroule dans une salle d’interrogatoire, entre suspects, policiers et avocats. La tension repose sur les dialogues, les non-dits et les tactiques de manipulation psychologique. Chaque épisode, autoconclusif, est un huis clos oppressant où la vérité se construit par couches successives. Comme Adolescence, la série mise sur l’intensité psychologique, les dilemmes moraux et la lutte pour faire émerger la vérité. La sobriété de la mise en scène, alliée à l’intelligence des scripts et à la force des performances d’acteurs, fait de Criminal une série captivante qui transforme un simple interrogatoire en théâtre d’émotions et de révélations.

Une famille presque normale (En helt vanlig familj, 2023)

Cette mini-série suédoise suit une famille dont la vie bascule lorsque leur fille est accusée de meurtre. À travers les points de vue du père, de la mère et de la fille, la série tisse un récit nuancé sur la perception de la vérité et les limites de la loyauté familiale. Une famille presque normale partage avec Adolescence son atmosphère pesante, ses jeux de faux-semblants et sa critique sociale sous-jacente. L’approche à trois voix permet une immersion fine dans les contradictions intimes de chacun, dans leurs espoirs, leurs peurs et leur solitude. C’est une série sobre, efficace, qui touche par sa justesse, ses ambiguïtés morales et sa tension toujours contenue.

Où voir ces séries similaires à 'Adolescence' en streaming ?

Toutes ces séries sont disponibles sur les principales plateformes de streaming, notamment Netflix, Prime Video, Canal+, Apple TV+ ou encore Disney+. Sur JustWatch, vous pouvez vérifier en un clin d’œil où elles sont disponibles en fonction de vos abonnements. Cliquez sur les logos ci-dessous pour filtrer selon vos services ou utilisez "réinitialiser" pour afficher toute la liste. Pensez également à créer votre liste personnalisée et à activer les notifications pour suivre vos séries préférées !

Le cinéma d’animation ne se limite plus aux enfants : depuis plusieurs décennies, il enchaîne les succès planétaires, attirant un public large et intergénérationnel. En 2025, Ne Zha 2 a créé l'événement en devenant le film d’animation le plus lucratif de l’histoire au box-office mondial. Ce record est l’occasion parfaite de revenir sur les dix plus grands succès du genre, en euros, en tenant compte de leurs recettes mondiales (hors inflation).

Ces films, pour devenir aussi populaires, mêlent créativité, technique, narration universelle et univers visuels spectaculaires. Qu’ils soient produits par Disney, Pixar, Illumination, Ghibli ou issus du cinéma chinois, ils ont tous marqué le public et l’histoire du box-office.

Voici les dix films d’animation les plus rentables au monde, et où les voir en streaming.

1. Ne Zha 2 (2025)

Ne Zha 2 est devenu en 2025 le plus gros succès du cinéma d’animation, avec plus de 2,1 milliards de dollars (soit environ 1,95 milliard d’euros) récoltés dans le monde, notamment grâce à l’engouement du public chinois. Cette suite du film à succès de 2019 renoue avec la mythologie traditionnelle chinoise tout en s’inscrivant dans une animation moderne et dynamique. Le film suit à nouveau le destin du jeune héros rebelle, Ne Zha, dans une aventure épique mêlant destin, pouvoir et choix personnels. Avec ses séquences d’action spectaculaires, son humour bien dosé et sa direction artistique impressionnante, Ne Zha 2 confirme l’excellence du cinéma d’animation chinois contemporain.

2. Vice-Versa 2 (2024)

Vice-Versa 2 (Inside Out 2) a récolté près de 1,7 milliard de dollars au box-office mondial (environ 1,56 milliard d’euros). Cette suite très attendue du classique Pixar explore à nouveau le monde des émotions, cette fois à l’adolescence, avec l’apparition de nouvelles émotions comme l’Anxiété ou l’Ennui. Toujours aussi inventive, cette aventure intérieure captive par sa profondeur psychologique et son humour fin. Vice-Versa 2 a séduit les spectateurs de tous âges grâce à un message universel sur la croissance émotionnelle. L'animation est soignée, les dialogues touchants, et l'univers gagne encore en richesse. Une réussite critique et commerciale pour Pixar.

3. Le Roi Lion (2019)

Le Roi Lion version 2019, réalisé en animation photoréaliste, a récolté plus de 1,65 milliard de dollars (environ 1,52 milliard d’euros). Souvent exclu des classements pour son statut de remake, il s’agit néanmoins d’un film entièrement réalisé en CGI, donc d’un pur film d’animation. Ce remake fidèle du classique de 1994 reprend l’histoire de Simba, jeune lion destiné à régner, confronté à la trahison et à l’exil. La prouesse technique est impressionnante, avec un rendu visuel saisissant. La bande originale, mêlant nostalgie et modernité, complète cette fresque animalière grandiose. Un triomphe mondial, tant critique que commercial.

4. La Reine des neiges 2 (2019)

La Reine des neiges 2 a généré environ 1,45 milliard de dollars (environ 1,33 milliard d’euros) au box-office mondial. Ce second volet retrouve Elsa, Anna, Kristoff et Olaf dans une quête à travers une forêt enchantée pour découvrir les origines des pouvoirs d’Elsa. Le film gagne en maturité, abordant des thématiques plus sombres sur l’identité, le é familial et la responsabilité. Visuellement somptueux et musicalement entraînant, il parvient à plaire à toute la famille tout en élargissant son univers. Si le premier film était centré sur l'amour sororal, celui-ci explore davantage la notion de destin. Une suite à la hauteur, aussi ambitieuse qu’émouvante.

5. Super Mario Bros. Le film (2023)

Super Mario Bros. Le film a déé toutes les attentes avec plus de 1,36 milliard de dollars (environ 1,24 milliard d’euros) de recettes mondiales. Produit par Illumination en partenariat avec Nintendo, ce film rend un vibrant hommage à l’univers du célèbre jeu vidéo. Mario, Luigi, Peach et Bowser sont réunis dans une aventure colorée et rythmée, mêlant humour, action et nostalgie. L'animation est dynamique et fidèle à l’esthétique des jeux, tout en proposant une histoire accessible à toutes les générations. Grâce à un bouche-à-oreille extrêmement positif et un capital sympathie énorme, Super Mario Bros est devenu un phénomène planétaire auprès des petits comme des grands.

6. La Reine des neiges (2013)

La Reine des neiges, avec près de 1,29 milliard de dollars (environ 1,18 milliard d’euros) au box-office mondial, est sans doute l’un des films les plus emblématiques de Disney. L’histoire d’Elsa, princesse aux pouvoirs glacés, et de sa sœur Anna, a conquis le monde entier. Outre son succès commercial, le film a profondément marqué la pop culture, notamment grâce à la chanson « Libérée, délivrée ». Son message sur l’amour familial et l’acceptation de soi a touché un large public. Mélange de conte classique et de modernité, La Reine des neiges a redéfini les codes du film de princesse pour une nouvelle génération.

7. Les Indestructibles 2 (2018)

Les Indestructibles 2 a engrangé plus de 1,24 milliard de dollars (environ 1,13 milliard d’euros) au box-office mondial. Le film reprend là où le premier s’était arrêté, inversant les rôles traditionnels : cette fois, c’est Hélène (Elastic Girl) qui part en mission tandis que Bob reste à la maison pour s’occuper des enfants. Cette dynamique familiale donne lieu à des scènes hilarantes mais aussi touchantes, notamment avec Jack-Jack, le bébé aux pouvoirs imprévisibles. Pixar allie ici spectacle, humour et réflexion sur les rôles parentaux. Avec une animation de haut vol et un scénario rythmé, Les Indestructibles 2 reste l’un des meilleurs films de super-héros animés.

8. Les Minions (2015)

Les Minions a atteint environ 1,16 milliard de dollars (environ 1,06 milliard d’euros) de recettes, confirmant le succès de l’univers Moi, moche et méchant. Ce spin-off revient sur l’origine de ces petites créatures jaunes avant leur rencontre avec Gru. Leur quête pour trouver un nouveau maître diabolique les mène jusqu’à Scarlett Overkill, une super-méchante exubérante. Le film repose largement sur l’humour absurde et le charisme des Minions, toujours aussi incompréhensibles que drôles. Si le scénario reste simple, l’efficacité comique et le rythme effréné du film ont séduit le public mondial. Un divertissement familial efficace, devenu un incontournable du catalogue Illumination.

9. Toy Story 4 (2019)

Toy Story 4 a rapporté environ 1,07 milliard de dollars (près de 975 millions d’euros) au box-office mondial. Pixar offre ici une conclusion émouvante à la saga initiée en 1995. On y retrouve Woody, Buzz et les autres jouets, rets par de nouveaux personnages mémorables comme Forky ou Duke Caboom. Le film aborde avec finesse les thèmes du changement, de l’abandon et de l’émancipation. Visuellement bluffant, il impressionne aussi par sa capacité à émouvoir et à faire rire. Toy Story 4 prouve qu’un quatrième opus peut encore surprendre, tout en bouclant une saga culte avec élégance et émotion.

10. Toy Story 3 (2010)

Toy Story 3 a généré plus de 1,06 milliard de dollars (environ 965 millions d’euros), devenant à l’époque l’un des plus grands succès du cinéma d’animation. Ce troisième volet voit Andy partir pour l’université, laissant ses jouets face à un avenir incertain. Le film brille par sa narration poignante, son humour toujours efficace et une touche finale profondément émotive. Pixar réussit un pari rare : faire d’un film pour enfants une œuvre universelle sur le age à l’âge adulte et la transmission. Toy Story 3 reste l’un des meilleurs films du studio et une conclusion magistrale à une trilogie devenue culte.

Où voir ces films d’animation en streaming ?

Si vous souhaitez (re)découvrir ces films d’animation incontournables, rendez-vous sur le guide de streaming JustWatch. Vous pouvez filtrer votre recherche par plateforme, genre, prix, classification d’âge ou note, et créer votre propre liste personnalisée. Cliquez sur les logos ci-dessous pour afficher uniquement les films disponibles avec vos abonnements, ou cliquez sur « réinitialiser » pour accéder à l’intégralité de la sélection.

La troisième saison de l’incontournable série The White Lotus offre de nouveau un savoureux spectacle d’humour noir où se croisent et s’entre-déchirent les clients fortunés et les employés d’un complexe hôtelier de luxe en Thaïlande. Mike White, son créateur, a encore réussi le pari d’une satire mordante sur les inégalités sociales et privilèges de classe à travers un nouvel exemple de vacanciers aux comportements détestables et problèmes personnels ramenés dans leurs valises.

Cet article JustWatch vous propose dix autres séries dans lesquelles vous retrouverez un peu d’esprit et des thématiques de The White Lotus. Tout en vous rappelant où regarder ces productions sur les plateformes de streaming.

Nine Perfect Strangers (2021)

Neuf inconnus sont réunis dans un centre de bien-être pendant dix jours pour différentes raisons. Ces riches citadins se laissent charmer par le gourou Nicole Kidman et des événements étranges commencent à surgir. Entre le luxe du lieu de villégiature, le mystère et l’approche psychologique, la série distille un climat de tension qui rappelle The White Lotus.

The Resort (2023)

Un couple s’offre des vacances de rêve au Mexique pour leur dix ans de mariage. Mais une fois sur place, ils se plongent dans une histoire non résolue : la disparition quinze ans plus tôt de deux personnes. Comme dans The White Lotus, le cadre paradisiaque de cette série n’est qu’une façade derrière laquelle se cache une réalité plus sombre avec ses secrets et ses tensions.

Big Little Lies (2017-2019)

Avant Nine Perfect Strangers, les créateurs avaient déjà “commis” Big Little Lies, une série qui suit un groupe de trois mères de famille (Reese Witherspoon, Nicole Kidman, Shailene Woodley) qui se retrouvent embarquées malgré elles dans une histoire de meurtre commis à l’école. Drame dans la bourgeoisie, dynamiques sociales complexes et des apparences sociales trompeuses : tout est là comme dans The White Lotus.

Bad Sisters (depuis 2022)

Dans le genre comédie noire et satire dramatique, Bad Sisters a plusieurs éléments de ressemblance avec The White Lotus. Situations tendues et absurdes, luxe et comportements décalés de ses personnages et surtout une critique sociale très acerbe. L’histoire ? Les soeurs Garvey, liées par la mort prématurée de leurs parents, se font la promesse de toujours se protéger mutuellement. Quand un beau-frère décède, la compagnie d’assurance cherche à savoir si aucune d’elle ne l’a tué.

Billions (2016-2023)

Pouvoir, richesse et corruption… le cocktail de la série Billions n’est pas si éloigné de The White Lotus, avec des comportements manipulateurs et égoïstes de personnes issues de classes sociales très privilégiées. Si ce n’est qu’il se e dans un milieu plus professionnel, le monde de la finance, où un procureur et de riches gestionnaires de fonds d’investissement se mènent une guerre sans merci.

Succession (2018-2023)

Dans la très riche et puissante (et très dysfonctionnelle) famille Roy, composée du patriarche Logan, propriétaire d’un empire médiatiaue, et de ses quatre enfants, le retrait progressif du père sème la zizanie entre ses successeurs. Avec un ton acerbe, des situations ultra-tendues et des dialogues incisifs, Succession expose les dérives d’une classe sociale privilégiée et la folie à laquelle peut mener la soif de pouvoir.

The Undoing (2020)

Nicole Kidman et Hugh Grant jouent un couple newyorkais parfait, dont la vie bascule après la mort violente d’une femme. Même façon d’explorer les secrets et les mensonges des personnages principaux, même critique des apparences d’une classe sociale privilégiée qui cache une sombre réalité sous la surface, mêmes personnages moralement ambigus… les deux séries ont plusieurs points en commun.

The Affair (2014-2019)

Noah Solloway, homme marié et père dévoué de quatre enfants, et Alison Lockhart, épouse qui pleure la mort de son enfant, entretiennent une relation extra-conjugale après leur rencontre à Montauk dans les Hamptons. La série explore les conséquences émotionnelles et sociales de cette infidélité. Côté mariages en crise, The White Lotus a aussi son lot d’intrigues. Et le rôle central du secret est présent dans les deux shows.

The Morning Show (2019)

Les coulisses d’une émission matinale à succès de la télé américaine avec ses relations de pouvoir, ses scandales et des dilemmes moraux. Cette critique ouverte de l’élite, ici médiatique, montre des personnages puissants qui manipulent les événements pour conserver leur statut et leur influence. Mêmes questions de pouvoir et d’influence dans The White Lotus et même critique des privilèges sociaux avec, à chaque fois, des personnages féminins très forts.

Palm Royale (2024)

Pour retrouver la même ambiance hôtel de luxe que The White Lotus, le cadre de la série Palm Royale semble tout indiqué. Dans l’hôtel 5 étoiles situé à Palm Beach, Maxine Simmons essaie de se faire une place dans les hautes sphères de la société, prête à quasiment tout sacrifier pour appartenir à cette classe sociale privilégiée. Même ton de comédie noire et de satire sociale que dans The White Lotus, la série pointe aussi avec talent les failles et les frustrations des personnages.

Où voir en streaming ces dix séries ressemblant ou avec une thématique commune à The White Lotus ?

On ne se lasse pas de l’ambiance vénéneuse distillée dans les trois saisons de la série The White Lotus. Si vous avez déjà succombé à tous les épisodes, vous pouvez vous tourner vers d’autres séries qui vous rappeleront de près ou de plus loin cette saga ambitieuse. Voici la liste des séries à voir dans l’ordre que vous souhaitez. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films ou séries sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films ou séries tous services confondus.

Young Sheldon. Si vous avez terminé tous les épisodes et cherchez des séries dans la même veine, entre humour intelligent, dynamique de groupe et cœur bien placé, voici 14 séries à voir absolument.

Community (2009)

Community suit un groupe d'étudiants décalés dans une université communautaire américaine. Ce qui commence comme une simple parodie de sitcom étudiante se transforme rapidement en une série méta, brillante, truffée de références geek et d'épisodes conceptuels aussi créatifs que loufoques. Community est une vraie pépite de créativité, à la limite du génie. On aime et on en redemande. Comme The Big Bang Theory, la série repose sur un groupe disparate mais attachant, et sur des dialogues vifs. Les amateurs de comédies intelligentes, de pop culture et de délires absurdes y trouveront un terrain de jeu idéal.

Silicon Valley (2014)

Créée par Mike Judge, Silicon Valley suit un groupe de développeurs qui tentent de percer dans le monde ultra-compétitif de la tech californienne. Truffée de satire, la série explore l'entrepreneuriat, les start-ups et la vie de nerds avec un humour féroce et un sens du détail technique rare. Comme dans The Big Bang Theory, on y suit des génies un peu perdus face aux codes du monde réel. Le résultat : une série réaliste, vraiment très drôle et brillamment écrite. Elle met également en lumière les absurdités du monde de la Silicon Valley, entre pitchs absurdes, investisseurs lunatiques et querelles d’ego. Une plongée hilarante et délirante dans le monde réel des nerds version business.

The Good Place (2016)

The Good Place commence après la mort : Eleanor se réveille dans un paradis censé récompenser les gens vertueux. Problème : elle pense qu'il y a erreur sur la personne. La série décolle rapidement en une exploration originale de l'éthique, de la morale et du libre arbitre, le tout avec une dose d'humour et d'émotion. Si The Big Bang Theory utilisait la science, The Good Place s'appuie sur la philosophie, tout en maintenant un équilibre parfait entre profondeur et divertissement. Kristen Bell et Ted Danson livrent des performances mémorables dans cette série unique qui mêle comédie et réflexion existentielle avec une intelligence rare.

New Girl (2011)

New Girl raconte la vie de Jess, une jeune femme excentrique qui emménage avec trois colocataires masculins après une rupture. La série repose sur des situations de colocations délirantes, des dialogues très bien écrits et une galerie de personnages tous plus attachants les uns que les autres. Comme dans The Big Bang Theory, le charme de la série réside dans l'évolution des amitiés et des relations amoureuses au fil du temps, entre rires et émotions sincères. L'énergie de Zooey Deschanel et la complicité du groupe rendent chaque épisode agréable, avec une alternance entre humour absurde et sincérité attendrissante. C’est une sitcom feel-good qui sait aussi émouvoir quand il le faut.

Brooklyn Nine-Nine (2013)

Dans le commissariat le plus déjanté de New York, Brooklyn Nine-Nine suit Jake Peralta et son équipe dans une série qui allie comédie de bureau, enquêtes absurdes et dynamique de groupe efficace. Portée par un casting impeccable, elle partage avec The Big Bang Theory une même tendresse pour ses personnages imparfaits mais irrésistibles, toujours portés par une grande camaraderie. Le style d’humour rapide, les running gags et les liens très forts entre les membres de l’équipe donnent à cette série policière un cœur aussi fort que son efficacité comique. Elle réussit à jongler entre enquête, comédie et émotion, avec un ton toujours positif.

The IT Crowd (2006)

Série culte britannique, The IT Crowd se déroule dans le sous-sol d’une entreprise où deux informaticiens marginaux et leur manager incompétente vivent des situations aussi absurdes qu’hilarantes. Avec un humour très british et des personnages extrêmes, la série fait écho à The Big Bang Theory dans son traitement des nerds et son amour des gadgets et situations décalées. Sa brièveté en fait une série facile à binge-watcher, et son style volontairement rétro et absurde ravira les amateurs d’humour excentrique. C’est une série qui joue beaucoup sur les contrastes et qui a marqué toute une génération de geeks britanniques, avec des monuments de l’humour outre manche : Chris O'Dowd, Richard Ayoade et Katherine Parkinson. 

Ghosts (2021)

La série britannique Ghosts : Fantômes à la maison. Version particulièrement réussie et qui vaut le détour ! 

Modern Family (2009)

Modern Family propose une chronique tendre, hilarante et profondément humaine de trois familles américaines modernes, liées par les liens du sang et du cœur. Son format en mockumentaire, innovant à l’époque de sa sortie, permet une proximité immédiate avec les personnages et leurs histoires, favorisant l’identification du spectateur. La série traite avec finesse de sujets aussi variés que l’adoption, l’homoparentalité, la parentalité moderne ou les tensions intergénérationnelles. Tout comme The Big Bang Theory, elle se nourrit de situations du quotidien, d’humour générationnel et de dynamiques relationnelles touchantes. Mais elle se distingue aussi par sa capacité à mêler émotion et comédie dans un équilibre quasi parfait. Avec ses 11 saisons et ses nombreux prix, Modern Family s’impose comme un incontournable du petit écran, capable de faire rire et réfléchir tout en offrant une galerie de personnages aussi divers qu’attachants.

How I Met Your Mother (2005)

Comme The Big Bang Theory, How I Met Your Mother repose sur un groupe d’amis vivant à New York, entre amitiés, carrières, relations amoureuses et blagues récurrentes. Diffusée entre 2005 et 2014, la série s’étend sur neuf saisons et 208 épisodes, marquant toute une génération avec ses personnages hauts en couleur, ses running gags devenus cultes et son ton oscillant entre légèreté et mélancolie. Le style narratif particulier – un récit au é raconté par le héros, Ted Mosby, à ses enfants – donne un charme supplémentaire à la série et crée un suspense constant autour de l'identité de la fameuse "Mother". On y retrouve des figures devenues emblématiques comme Barney Stinson, interprété par Neil Patrick Harris, ainsi qu’une dynamique de groupe proche de celle des geeks californiens. How I Met Your Mother mêle rires, émotions sincères, réflexions sur les choix de vie et nostalgie douce-amère. Une série attachante, inventive, et incontournable pour les amateurs de comédies à personnages.

Friends (1994)

Impossible de ne pas citer Friends, la sitcom culte qui a ouvert la voie à The Big Bang Theory. Créée par David Crane et Marta Kauffman, et diffusée de 1994 à 2004, la série suit six amis new-yorkais — Rachel, Ross, Monica, Chandler, Joey et Phoebe — dans leur quotidien, entre carrières, amours, déceptions et éclats de rire. Avec ses 10 saisons et 236 épisodes, elle a marqué des générations de téléspectateurs à travers le monde. Son casting charismatique, ses répliques cultes et sa galerie de personnages attachants ont contribué à faire de Friends un monument de la culture pop. L’alchimie entre les acteurs et la qualité constante de l’écriture ont posé les bases de nombreuses sitcoms modernes, y compris The Big Bang Theory. À la fois drôle, chaleureuse et parfois émouvante, Friends reste une valeur sûre à revoir encore et encore.

Superstore (2015)

Dans un grand magasin du Midwest, une équipe d’employés tente de jongler avec les absurdités du quotidien. Superstore est une comédie de bureau qui, sous ses airs de sitcom légère, aborde des sujets sociaux bien réels comme les inégalités salariales, les grèves, les discriminations ou encore la bureaucratie absurde du monde du travail. À travers ses personnages hauts en couleur, la série construit une galerie d'individus issus de milieux divers, reflétant la diversité de l’Amérique contemporaine. Comme dans The Big Bang Theory, c’est la dynamique de groupe qui donne à la série toute sa saveur, avec des personnages imparfaits mais profondément humains. Avec ses dialogues percutants, son humour acide et ses situations souvent absurdes mais toujours ancrées dans le réel, Superstore est une série à la fois drôle, pertinente et engagée, qui offre un regard original sur le monde du travail moderne.

Rick et Morty (2013)

Rick and Morty est une série animée délirante qui suit Rick, un scientifique alcoolique et génialement dérangé, et son petit-fils Morty, dans des aventures interdimensionnelles aussi absurdes qu’intelligentes. Créée par Dan Harmon et Justin Roiland, elle mêle science-fiction déjantée, satire sociale et humour noir. Comme The Big Bang Theory, la série regorge de références scientifiques, de clins d'œil à la pop culture et de personnages excentriques. Mais Rick and Morty va plus loin, avec une approche plus cynique, un ton souvent existentiel et des épisodes qui remettent en question la réalité, l'identité ou le libre arbitre. Elle séduit par son audace narrative, sa richesse thématique et son style visuel unique. Une série aussi brillante que dérangeante, à ne pas manquer si vous aimez l’intelligence sous acide.

Young Sheldon (2017)

Young Sheldon est une préquelle directe de The Big Bang Theory qui plonge dans l'enfance du légendaire Sheldon Cooper, dans le Texas des années 80 et 90. Portée par la voix off de Jim Parsons, qui incarne le Sheldon adulte dans la série originale, cette sitcom propose un éclairage nouveau sur les origines de ce personnage aussi brillant qu'agaçant. La série s'intéresse à sa précocité intellectuelle, son inadaptation sociale et la vie de sa famille, notamment sa relation complexe avec sa mère ultra-religieuse, son frère aîné un peu simplet, et sa sœur jumelle plus terre-à-terre. Young Sheldon adopte un ton plus tendre et intimiste que la série mère, tout en gardant un humour fin et accessible. Elle développe aussi des thématiques comme la différence, la solitude intellectuelle et l'acceptation au sein d'une société conformiste. C’est un complément idéal pour les fans de The Big Bang Theory, curieux d’en apprendre davantage sur la jeunesse de l’un de leurs héros préférés.

Ted Lasso (2020)

Dans Ted Lasso, un entraîneur de football américain sans aucune expérience du soccer se retrouve parachuté à la tête d’un club anglais en crise. Loin de se laisser décourager, il aborde sa mission avec un optimisme inébranlable, une gentillesse désarmante et une volonté farouche de fédérer. La série créée par Bill Lawrence et Jason Sudeikis — qui incarne avec brio ce coach improbable — a séduit par son ton bienveillant, ses punchlines savoureuses et sa capacité à faire naître des émotions fortes sans jamais sombrer dans le pathos. Comme The Big Bang Theory, elle mise sur des personnages imparfaits mais profondément attachants, sur les relations humaines sincères et l’évolution collective. Grâce à son écriture fine et son humanisme contagieux, Ted Lasso est devenue une série incontournable qui réussit l'exploit de combiner humour, tendresse et profondeur émotionnelle.

Où voir ces séries similaires à 'The Big Bang Theory' en streaming ?

Toutes ces séries sont disponibles sur vos plateformes de streaming préférées : Netflix, Prime Video, Canal+, Disney+, Apple TV+, ou encore Paramount+. Sur JustWatch, vous pouvez filtrer votre recherche par service, genre, prix, classification d'âge ou note. Cliquez sur les logos ci-dessous pour voir uniquement les titres accessibles avec vos abonnements, ou cliquez sur « réinitialiser » pour voir toute la liste. Et n'oubliez pas de créer votre propre liste personnalisée et d'activer les notifications pour suivre vos séries préférées !

Aux États-Unis, on la surnomme “The Queen of Television”. Shonda Rhimes mérite bien son qualificatif. Depuis 2005 et son coup de maître avec La Résidence, une mini-série mettant en scène Cordelia Cupp (Uzo Aduba), une détective excentrique se rendant à la Maison Blanche pour y résoudre un meurtre survenu lors d’un dîner d’État. 

Ce guide JustWatch vous propose de lister dans l’ordre de leurs sorties toutes les productions de Shonda Rhimes, tout en vous rappelant sur quelles plateformes vous pouvez regarder les différentes séries en streaming.

Grey’s Anatomy (depuis 2005)

La série médicale est devenue l’une des séries les plus longues de la télévision américaine avec pas moins de 21 saisons et 440 épisodes au compteur. Entre l’adrénaline et les intrigues personnelles des chirurgiens et infirmiers du Grey Sloan Memorial, Shonda Rhimes a fait de son show un véritable phénomène culturel mondial, capable d’évoquer des sujets sociétaux d’actualité : handicap, violence faite aux femmes, suicide médicalement assisté…

Private Practice (2007-2013)

Première série dérivée de Grey’s Anatomy (la deuxième est Station 19), Private Practice suit Addison Montgomery, ex-femme du Dr Mamour. Agacée de ne pas avoir obtenu le poste de cheffe de service de chirurgie, ce médecin décide de claquer la porte du Grace Hospital pour mettre les voiles direction la Californie pour l’Oceanside, un centre de soins privé.

Scandal (2012-2018)

La vie professionnelle et personnelle d’une experte en relations publiques et gestion de crises, Olivia Pope (Kerry Washington). La série mélange à la fois du drame et de la romance comme seule Shonda Rhimes sait le faire.

Murder (2014-2020)

Tout le charme de ce soap judiciaire repose sur Viola Davis, aka Annalise Keating, une prof de droit et avocate de renom à la tête de son propre cabinet à Philadelphie, tout autant brilante que complexe, redoutable que vulnérable. Mais capable de résoudre des meurtres impossibles !

The Catch (2016-2017)

Une détective privée, Alice Vaughan, est victime de fraude. Le coupable ? Son fiancé, un riche homme d’affaires subitement disparu et qu’elle compte bien retrouver avant qu’il ne ruine sa carrière. Pas créatrice mais productrice du show, Shonda Rhimes met de nouveau en avant une femme au caractère bien trempée, entourée d’une équipe de choc. Moins convaincante que les précédentes, la série s’arrête au bout de deux saisons.

Station 19 (depuis 2018)

Un autre spin-off de Grey’s Anatomy, cette fois avec des caméras posées au beau milieu d’une équipe de pompiers et de secouristes de la caserne 19 à Seattle. Même recette que pour les séries précédentes : vie pro et vie perso sont exposées à parts égales pour mêler à la fois le suspense et des sujets plus sociétaux.

For the People (2018-2019)

Six jeunes diplômés de l’école de droit font leur entrée dans la vie active, dans la prestigieuse Cour Fédérale de New York qui juge les affaires les plus importantes du pays. Shonda Rhimes est une des productrices de cette série judiciaire qui mêle suspense et personnages complexes qui font leurs premiers pas dans un univers (une de ses marques de fabrique !). 

La Chronique des Bridgerton (depuis 2020)

Adaptée des romans à succès de Julia Quinn, cette série costumée qui nous emmène dans un univers à la Jane Austen sauce XXIe siècle, propose à chaque saison de se pencher sur le cas d’un des huit enfants d’une vicomtesse qui souhaite les marier dans de bonnes conditions. Les décors pastels et froufrouteux sont magnifiques, les intrigues se dégustent comme des bonbons.

Inventing Anna (2021)

L’excellente Julia Garner (Ozark) revêt les habits d’une jeune russe qui a réussi à escroquer plusieurs milliers de dollars à des jeunes new-yorkais de la haute société. L’histoire est vraie, réécrite pour Netflix par Shonda Rhimes également à la production avec sa société Shondalan.

La Reine Charlotte : Un chapitre Bridgerton (2023)

Après le succès de La Chronique de Bridgerton, Shonda Rhimes fait un focus sur un des personnages les plus forts de la série, la reine, en se concentrant sur sa jeunesse et son arrivée au pouvoir dans une mini-série de six épisodes qui s’attache surtout à parler de racisme dans la société britannique.

La Résidence (2025)

132 pièces et 157 suspects : l’enquête sur un mystérieux meurtre survenu en plein dîner d’Etat à la Maison Blanche s’annonce compliqué, d’autant que des conflits interpersonnels finissent par éclater. Dans une ambiance très Agatha Christie, Shonda Rhimes avance sa partie de Cluedo de manière très maline et avec un humour.

Où voir en streaming les séries de Shonda Rhimes ?

Prêtresse de la télévision américaine, visionnaire dans ces sujets qui mettent souvent en avant des femmes fortes mais complexes, Shonda Rhimes proposent des séries depuis plus de 20 ans, souvent des succès. Voici la liste de ses productions dans l’ordre de leurs sorties. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir les séries disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les séries tous services confondus.

Le monde de l'animation japonaise n'a cessé de gagner en popularité au cours de la dernière décennie, s'imposant comme un pilier incontournable de la culture populaire mondiale. Grâce à des plateformes comme Netflix ou Crunchyroll, les anime sont devenues plus accessibles que jamais, conquérant un public toujours plus large. Cette liste recense les dix séries les plus marquantes de ces dix dernières années, en tenant compte de leur impact culturel, de leur succès critique et populaire, mais aussi de leur innovation narrative ou esthétique.

Si vous êtes à la recherche d'un nouvel animé à dévorer, voici les 10 incontournables à ne pas manquer, ainsi que les plateformes sur lesquelles vous pouvez les regarder.

Demon Slayer (Kimetsu no Yaiba)

Demon Slayer est sans conteste l’un des plus grands phénomènes de l’animation japonaise de la dernière décennie. Adapté du manga de Koyoharu Gotouge, l’animé suit le jeune Tanjiro dans sa quête pour sauver sa sœur Nezuko, transformée en démon, et venger sa famille massacrée. Grâce à une animation exceptionnelle signée Ufotable, notamment lors des combats chorégraphiés à couper le souffle, la série a conquis le public international. Son mélange d’émotion, d’action intense et de personnages marquants a rapidement élevé "Demon Slayer" au rang de série culte. Elle est aujourd'hui disponible sur Crunchyroll, Netflix ou encore Prime Video.

L'Attaque des Titans 

Depuis sa première diffusion en 2013, L’Attaque des Titans s’est imposée comme l’un des animés les plus marquants de la dernière décennie. Racontant la lutte désespérée de l’humanité face à des titans géants dévoreurs d’hommes, la série impressionne par son intensité, son univers dystopique dense et ses multiples retournements de situation. Avec ses personnages psychologiquement fouillés, ses dilemmes moraux et sa critique des systèmes autoritaires, elle dée largement les codes du shōnen classique. L’œuvre de Hajime Isayama explore brillamment les thèmes de la guerre, de la liberté, du fanatisme et de l’identité. L’animation, d’abord assurée par Wit Studio puis reprise avec brio par MAPPA, a contribué à donner vie à cet univers oppressant avec une puissance visuelle inédite. L’Attaque des Titans est une fresque épique et philosophique, qui interroge constamment notre rapport à l’humanité et à la violence institutionnalisée.

Jujutsu Kaisen

Jujutsu Kaisen est rapidement devenu un incontournable du shōnen moderne, marquant de son empreinte la scène animée contemporaine. L’histoire suit Yuji Itadori, un lycéen au grand cœur qui, après avoir avalé un objet maudit pour sauver ses amis, se retrouve lié à Ryomen Sukuna, un démon ancestral terriblement puissant. Dès lors, il est intégré à l’école des exorcistes de Tokyo pour apprendre à combattre les fléaux qui menacent le monde. L’animation spectaculaire, signée MAPPA, donne vie à des combats d’une intensité visuelle remarquable, soutenue par une mise en scène dynamique. Mais au-delà de son action impressionnante, la série séduit par la complexité de ses personnages, ses dilemmes moraux et sa réflexion sur la douleur, la perte et le sens du sacrifice. Jujutsu Kaisen réussit à allier noirceur, émotion et humour avec une aisance rare, rendant chaque épisode aussi divertissant que poignant. Une œuvre qui mérite amplement sa popularité et continue de séduire un public toujours plus large.

One Piece

Bien que débutée bien avant la dernière décennie, One Piece continue de régner sur l’univers de l’animation, et mérite pleinement sa place dans cette sélection. Avec la saga du Pays de Wano, une animation modernisée et une intensité dramatique renouvelée, la série a franchi un nouveau cap en matière de narration et de popularité. L’explosion de sa reconnaissance mondiale, accentuée par son adaptation live-action sur Netflix, a permis à une nouvelle génération de découvrir l’œuvre d’Eiichiro Oda. Suivant les aventures de Luffy et son équipage dans leur quête du trésor ultime, One Piece mêle humour, drame, aventure, valeurs humaines fortes et critique sociale. Son monde foisonnant, ses arcs narratifs bien construits et ses personnages profonds en font une référence incontournable. La série est disponible sur ADN, Crunchyroll et Netflix.

Frieren

Frieren est un anime contemplatif et émouvant qui se distingue par sa vision originale de l'après-aventure. Loin des récits classiques de fantasy, il s'intéresse au vide laissé par la disparition des compagnons et à la quête intérieure de l'immortalité face à l’éphémère. Frieren, elfe magicienne, repart sur les traces de son é, hantée par ses souvenirs et les regrets silencieux d'une vie trop longue. Chaque épisode explore les souvenirs et la mélancolie d’une héroïne qui n’a plus rien à prouver mais encore beaucoup à ressentir. L’écriture douce, parfois poétique, invite à réfléchir sur la valeur du présent, la place des relations humaines dans une vie éternelle, et le poids du silence. À travers des épisodes d’une grande délicatesse, la série interroge le rapport au temps, à la mémoire et à la perte. Est-ce que le précieux ne se retrouverait pas dans l’éphémère ? L’animation de qualité, signée Madhouse, et la mise en scène épurée renforcent cette atmosphère introspective, en faisant de Frieren l’un des récits les plus touchants et originaux de la décennie.

Chainsaw Man

Chainsaw Man a bouleversé les codes du shōnen avec son univers gore, déjanté et profondément nihiliste. Denji, jeune chasseur de démons fusionné avec son chien-tronçonneuse, tente de survivre dans un monde brutal en rêvant de plaisirs simples comme manger du pain grillé ou avoir un rendez-vous galant. La série, portée par une animation fluide et une mise en scène inventive signée MAPPA, se distingue par son ton subversif et ses personnages ambigus. Le style de Tatsuki Fujimoto mélange absurdité, désespoir et humanité avec un humour grinçant, rendant chaque épisode imprévisible. Chainsaw Man aborde sans détour la solitude, le désir, la peur de l’échec et la quête de sens dans un monde absurde. C’est un ovni incontournable de l’animation japonaise récente, qui séduit autant par sa violence stylisée que par la sincérité tragique de ses personnages.

Your Lie in April (Shigatsu wa Kimi no Uso)

Your Lie in April est une série musicale poignante centrée sur Kosei Arima, un jeune pianiste prodige traumatisé par la perte brutale de sa mère. Incapable de rejouer du piano, il mène une vie terne jusqu’à sa rencontre avec Kaori Miyazono, une violoniste excentrique et pleine de vie, qui bouleversera sa vision de la musique, mais aussi de l'existence. La série, magnifiquement animée, déploie une bande-son classique saisissante qui accompagne avec justesse les émotions des personnages. Your Lie in April est un drame sur le deuil, la reconstruction, l’amour et la ion artistique. Chaque épisode apporte son lot d’émotions, entre espoir et mélancolie, et pousse à réfléchir sur le pouvoir de la musique et les souvenirs qu’elle véhicule. Avec une narration sensible, des personnages inoubliables et une intensité émotionnelle rare, c’est une œuvre profondément humaine et touchante, à ne pas manquer pour les amateurs de récits sincères et bouleversants.

Haikyu!!

Haikyu!! a su rendre le volley-ball ionnant grâce à une mise en scène dynamique, des personnages attachants et une progression narrative captivante. On y suit Hinata, un lycéen énergique et déterminé à briller dans le monde du volley-ball malgré sa petite taille, ce qui le pousse à travailler plus dur que n'importe qui. Avec son équipe du lycée Karasuno, il affronte des adversaires toujours plus redoutables dans des matchs haletants. Plus qu’un simple animé de sport, Haikyu!! célèbre le travail d’équipe, la persévérance, l’amitié et la résilience face aux obstacles. Il explore aussi les rivalités sportives, les doutes personnels, la pression de la performance et l’esprit de compétition dans une ambiance toujours positive et inspirante. L’animation de Production I.G, fluide et percutante, amplifie l’intensité des rencontres. Chaque épisode est une leçon de déement de soi. C’est une série qui donne envie de croire en ses rêves, de se relever après chaque échec et de toujours viser plus haut.

Erased (Boku dake ga Inai Machi)

Erased mêle thriller et voyage temporel dans une ambiance sombre et tendue. Satoru, un mangaka raté approchant la trentaine, est soudainement projeté dans son corps d’enfant, peu avant un événement tragique ayant bouleversé sa vie. Il tente alors de changer le é pour empêcher l’assassinat de sa mère et la disparition de plusieurs enfants. L’animé brille par sa tension dramatique constante, son atmosphère mélancolique et sa narration fluide. Erased aborde avec finesse les traumatismes de l’enfance, la solitude, la résilience et la force des liens humains. L’animation sobre et la mise en scène intimiste renforcent le réalisme émotionnel du récit. Grâce à une écriture maîtrisée, des personnages attachants et une intrigue émotive, la série captive jusqu’à son final bouleversant. C’est un thriller profondément humain, à la fois touchant et haletant, qui reste longtemps en mémoire.

Parasyte: The Maxim

Dans Parasyte: The Maxim, des parasites extraterrestres prennent possession de corps humains, s’emparant de leur cerveau pour les contrôler. Shinichi Izumi, un lycéen ordinaire, voit sa main droite infectée par un parasite qui échoue à atteindre son cerveau. Ce parasite, baptisé Migi, développe une conscience propre et forme avec Shinichi un tandem forcé. Ensemble, ils affrontent d’autres parasites plus agressifs, menaçant l’humanité. Au-delà de l’action et de l’horreur corporelle, la série soulève des questions profondes sur l'identité, l'empathie et ce qui définit réellement l'humain. L’évolution psychologique de Shinichi est centrale, oscillant entre sa nature humaine et l’influence grandissante de Migi. L’animation fluide, la tension omniprésente et les scènes de combat saisissantes font de Parasyte un incontournable du genre. Il mêle brillamment science-fiction, horreur et drame existentiel, tout en explorant les limites de la coexistence entre espèces opposées.

Mentions spéciales

Parmi les animés qui ont marqué cette dernière décennie, plusieurs méritent d’être mentionnés bien qu’ils ne figurent pas dans le classement principal. Vinland Saga se démarque par sa narration historique et sa profondeur thématique. Tous ces titres confirment la vitalité et la richesse de l’animation japonaise contemporaine.

Où regarder ces animés en streaming ?

Ces séries sont disponibles sur vos plateformes de streaming favorites comme Crunchyroll, Netflix, Prime Video. Sur JustWatch, vous pouvez vérifier en un clin d’œil où elles sont disponibles, en fonction de vos abonnements. Cliquez sur les logos ci-dessous pour filtrer selon vos services ou utilisez "réinitialiser" pour afficher la liste complète. Et n'oubliez pas de créer votre liste personnalisée pour ne rien manquer des sorties anime à venir !

Mention spéciale : Vinland Saga

La série culte Friends s’est souvent payée le luxe d’accueillir sur ses plateaux d’immenses stars, venues donner la réplique et jouer un petit rôle dans la vie des six amis cathodiques. Au cours des dix saisons et 236 épisodes diffusés entre 1994 et 2004, Jennifer Aniston, Courteney Cox, Lisa Kudrow, Matt LeBlanc, Matthew Perry et David Schwimmer ont accueilli plusieurs dizaines d’invités pour des ages plus ou moins éclairs.

Cet article JustWatch vous propose de vous en remémorer dix d’entre eux et les interactions qu’ils ont pu avoir avec le casting original. Tout en vous rappelant dans quel épisode vous pouvez retrouver ces stars et où regarder la série en streaming.

George Clooney et Noah Wyle

Héros d’Urgences, série lancée la même année que Friends en 1994, et connaissant la même popularité, les deux “médecins” superstars viennent faire un coucou aux comédiens de la série. Dans l’épisode 17 de la saison 1, les Drs Ross et Carter découvrent Rachel et Monica d’abord à l’hôpital, avant d’être invités à l’appartement.

Ben Stiller

Le comédien et réalisateur a joué un petit ami de Rachel très colérique dans l’épisode 22 de la saison 3 de la série. Ross tente de mettre en garde son ex-petite amie contre son caractère volcanique mais Rachel ne s’aperçoit de rien, jusqu’à ce que le personnage de Ben Stiller s’en prenne directement au canard de Chandler !

Winona Ryder

Dans l’épisode 20 de la saison 7, la comédienne Winona Ryder fait une apparition dans le rôle d’une copine de fac de Rachel, avec qui elle a partagé un baiser pendant une soirée très arrosée. Les deux vieilles amies vont de nouveau s’embrasser et Winona Ryder va lui dire qu’elle est amoureuse d’elle depuis tout ce temps.

Julia Roberts

Pas sûr que vous ayez oublié que la méga-star Julia Roberts a participé à la grande aventure Friends. Dans l’épisode 13 de la saison 2, l’actrice campe une maquilleuse de cinéma, ancienne camarade d’école primaire de Chandler qui se venge de ce que le personnage lui a fait subir plus jeune… en le laissant nu en porte-jarretelles dans les toilettes d’un restaurant.

Brad Pitt

Son apparition était inévitable : Brad Pitt était marié à Jennifer Aniston quand il est apparu dans Friends. C’était dans l’épisode 9 de la saison 8, pour l’épisode de Thanksgiving, où le comédien jouait un certain Will, ancien camarade de lycée de Monica pas très fan de Rachel, au point d’avoir fondé à l’époque avec Ross le club “Je déteste Rachel Green”.

Jennifer Grey

L’inimitable “Bébé” dans Dirty Dancing a fait partie du casting de Friends pour incarner Mindy, la meilleure amie et demoiselle d’honneur de Rachel dans la saison 1 de la sitcom, avant de renoncer à revenir interpréter ce personnage, pour cause d’anxiété trop prononcée.

Dakota Fanning

Personne ne la connaissait à l’époque car elle était toute jeune, mais Dakota Fanning, aujourd’hui actrice reconnue, a bien participé au show ! Dans l’épisode 14 de la dixième et dernière saison, elle est Mackenzie, une fillette très intelligente qui déménage de la maison que Monica et Chandler achètent.

Jennifer Coolidge

Dans l’épisode 3 de la saison 10, Jennifer Coolidge était Amanda, l’ancienne colocataire de Phoebe et Monica. Dans la série dérivée Joey, elle a aussi décroché un petit rôle puisqu’elle joue l’agent du comédien en herbe.

Cole Sprouse

De 2000 à 2001, Cole Sprouse - aujourd’hui très connu pour son rôle dans la série Riverdale - interprétait Ben, le fils de Ross et Carol, dans plusieurs épisodes de Friends.

Où voir en streaming les principaux films et séries des stars venues faire un caméo dans 'Friends' ?

L’incontournable série Friends est présente sur plusieurs plateformes de streaming dont Canal+ et Max. Nous vous avons listé aussi les principaux films et séries dans lesquels retrouver les stars venues faire un “coucou” dans Friends, par ordre de leur mention dans le texte ci-dessus.

Sorti en 1937, Blanche-Neige et les sept nains est le premier long métrage d’animation de Walt Disney ! Un classique des studios donc, adapté d’un conte éponyme des frères Grimm paru en 1812. Ce premier dessin animé, loin de prendre la poussière, a connu d’autres versions, notamment en prises de vue réelles, qui ont ravi le public. De quoi voir de pleins de manières différentes cette figure de l’innocente jeune fille malmenée par une marâtre jalouse.

Nous vous proposons un classement JustWatch des cinq meilleures adaptations mettant en scène cette première princesse de la marque aux grandes oreilles, pour vous y retrouver dans la jungle des offres. 

Blanche-Neige et les sept nains (1937)

Cette première princesse Disney, avec ses manches bouffantes et son noeud rouge dans ses cheveux de jais, a marqué des générations d’enfants. La chanson des sept nains travaillant à la mine aussi ! Toujours un grand plaisir à revenir à la source.

Blanche Neige (2012)

Cette année-là, deux Blanche Neige se sont fait concurrence : ce film est la version la plus lumineuse, plus colorée, maniant parfois l’humour grâce notamment à la présence de Julia Roberts dans le rôle de la reine, malicieuse à souhait et douée dans ce genre de registre. Un spectacle très plaisant.

Blanche Neige et le chasseur (2012)

Plus sombre, plus épique, plus envoûtante que le conte classique de Blanche-Neige, cette version s’adresse à un public plus large que les enfants en bas-âge. La Reine (Charlize Theron) est du genre vraiment cruelle mais Blanche Neige, loin d’être une oie blanche, trouve un allié de taille - le chasseur joué par Chris Hemsworth - pour s’opposer à son courroux.

Once Upon a Time (2011-2018)

La série fantastique américaine a déroulé pendant sept saisons l’histoire d’une Blanche-Neige (Ginnifer Goodwin) vivant de nos jours dans la ville fictive de Storybrooke dans le Maine. Sous le nouveau nom de Mary Margaret Blanchard, l’héroïne est dans cette fiction une institutrice victime d’une malédiction.

Blanche Neige (2025)

Même si le film est l’objet de nombreuses polémiques, le dernier remake Disney en live-action se concentre sur une Blanche-Neige la plus fidèle à celle des débuts presque un siècle plus tôt. Rachel Zegler prend la robe de la princesse et Gal Gadot celle de la méchante reine. Le film est divertissant malgré quelques défauts - les effets spéciaux et les chansons.

Où voir en streaming les cinq meilleures adaptations de Blanche-Neige ?

Le conte de fées le plus écouté, lu et vu par les enfants est très certainement Blanche-Neige. Voici la liste des cinq films sur cette princesse chère au cœur du public à voir dans l’ordre de nos préférences. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir les films disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films ou séries tous services confondus.

Michael Fassbender s’est imposé au fil des années comme l’un des acteurs les plus intenses et polyvalents de sa génération. Né en Allemagne et élevé en Irlande, il débute sa carrière dans les années 2000, avant de devenir un visage incontournable du cinéma indépendant comme des superproductions hollywoodiennes. Sa filmographie est marquée par des rôles complexes, souvent physiques, toujours profondément humains. Collaborateur régulier de Steve McQueen et apprécié pour sa capacité à incarner aussi bien des héros tourmentés que des figures historiques, Fassbender allie justesse d’interprétation et charisme magnétique.

Voici 10 de ses meilleurs films, à voir ou revoir. On vous indique aussi où trouver chaque titre facilement en streaming grâce à JustWatch, le guide qui vous permet de savoir où vos films et séries préférés sont disponibles en ligne.

Inglourious Basterds (2009)

Inglorious Basterds est probablement l’un des films les plus connus et appréciés de Quentin Tarantino. Michael Fassbender campe le lieutenant Archie Hicox, un agent britannique infiltré derrière les lignes ennemies en pleine Seconde Guerre mondiale. Bien qu’il n’apparaisse qu’à mi-parcours, son rôle est crucial et donne lieu à l’une des scènes les plus tendues du film : le face-à-face dans la taverne allemande. Son jeu tout en retenue, son accent impeccable et son sens du timing dramatique y sont mémorables. Tarantino lui confie un personnage élégant, lettré et courageux, dans une séquence où chaque regard compte. Inglourious Basterds révèle Fassbender au grand public international et prouve sa capacité à briller même dans un rôle secondaire.

12 Years a Slave (2013)

12 Years a Slave est un drame historique bouleversant de Steve McQueen, où Michael Fassbender incarne Edwin Epps, un propriétaire de plantation violent et sadique. Sa performance, glaçante de justesse, lui vaut une nomination à l’Oscar du Meilleur acteur dans un second rôle. Face à Chiwetel Ejiofor et Lupita Nyong’o, Fassbender livre un personnage terrifiant, incarnant la brutalité crue du système esclavagiste sans jamais tomber dans la caricature. Ce rôle éprouvant et magistral confirme sa capacité à s’investir pleinement dans des personnages moralement ambigus et complexes. Le film, salué par la critique et multiprimé, est un moment de cinéma fort et nécessaire.

X-Men: Days of Future Past (2014)

Dans ce volet épique de la saga X-Men, X-Men : Days of Future Past, Fassbender reprend son rôle de Magneto, le mutant aux pouvoirs magnétiques, dans une version plus sombre et plus radicalisée. Entre flashbacks et sauts temporels, le film mêle action spectaculaire, enjeux politiques et dilemmes moraux. Fassbender y incarne un Magneto à la fois charismatique et dangereux, dont la colère contenue explose à plusieurs reprises. Sa présence renforce la gravité des enjeux et donne une profondeur supplémentaire au récit. Dans ce film choral, il parvient à s’imposer grâce à une interprétation nuancée, faisant de son personnage l’un des piliers émotionnels de l’intrigue.

X-Men: Le Commencement (2011)

Premier chapitre du reboot de la saga, X-Men: Le Commencement retrace les origines de Magneto et du Professeur X. Michael Fassbender y trouve l’un de ses rôles les plus emblématiques, dans une prestation où il mêle rage, douleur et séduction. Son parcours de survivant de la Shoah devenu justicier vengeur donne au film une profondeur dramatique inattendue. La relation complexe qu’il entretient avec le personnage de James McAvoy (Charles Xavier) constitue le cœur émotionnel du récit. Sa performance en Magneto, entre fureur contenue et humanité blessée, est l’un des grands atouts de cette origin story réussie.

Hunger (2008)

Premier film marquant de Steve McQueen, Hunger suit les derniers jours de Bobby Sands, prisonnier de l’IRA mort après une grève de la faim dans les années 1980. Pour incarner ce rôle, Fassbender s’est soumis à une transformation physique impressionnante, perdant plus de 18 kilos. Son interprétation est d’une intensité rare, faite de silences, de souf et de tension intérieure. Le film, minimaliste et frontal, est porté par un long plan-séquence en huis clos entre Sands et un prêtre, moment de grâce cinématographique où Fassbender démontre toute l’étendue de son talent. Hunger est une œuvre radicale et puissante, à ne pas manquer.

Shame (2011)

Deuxième collaboration avec Steve McQueen, Shame offre à Fassbender l’un de ses rôles les plus intimes et dérangeants. Il y incarne Brandon, un trentenaire new-yorkais en proie à une addiction sexuelle qui le coupe de toute relation sincère. Le film explore avec une grande pudeur les thèmes du vide existentiel, de la honte et du désir. La performance de Fassbender, à la fois physique et émotionnelle, lui vaut une nomination au Golden Globe. Sa capacité à exprimer l’isolement et la fragilité derrière une façade de contrôle est bouleversante. Shame est un drame cru et sensible, porté par une mise en scène épurée et élégante.

Fish Tank (2009)

Réalisé par Andrea Arnold, Fish Tank est un drame social britannique centré sur une adolescente en colère, Mia, vivant dans une cité anglaise. Michael Fassbender y joue Connor, le nouveau petit ami de sa mère, qui va bouleverser l’équilibre précaire de la famille. Son personnage, charismatique et séduisant, entretient une relation ambiguë avec Mia, rendant le récit encore plus tendu. Le jeu tout en nuances de Fassbender renforce l’ambivalence de son rôle, à la fois protecteur et dérangeant. Le film, récompensé du Prix du Jury à Cannes, est un bijou de réalisme social, porté par une réalisation sensible et des interprètes remarquables.

Une vie entre deux océans (2016)

Une vie entre deux océans est un drame romantique adapté du roman éponyme, où Fassbender incarne un gardien de phare tourmenté qui, avec sa femme (interprétée par Alicia Vikander), recueille un bébé trouvé dans une barque. Le couple décide de l’élever comme le leur, mais le secret finit par les rattraper. Le film, tourné dans des décors naturels sublimes, s’appuie sur la complicité entre les deux acteurs principaux, qui sont également en couple à la ville. Fassbender livre ici une performance sobre et touchante, dans un rôle où les dilemmes moraux prennent le pas sur les effets dramatiques. Une œuvre mélodramatique émotive, sur fond de culpabilité et de pardon.

Steve Jobs (2015)

Steve Jobs est un biopic signé Danny Boyle et écrit par Aaron Sorkin, où Michael Fassbender prête ses traits à Steve Jobs, la figure iconique d’Apple, à travers trois moments-clés de sa carrière. Le film se distingue par son écriture nerveuse et ses dialogues brillants, que Fassbender maîtrise avec une précision redoutable. Sans chercher à imiter physiquement Jobs, il en capte l’énergie, la complexité et les contradictions. La performance est remarquable de justesse, permettant de découvrir un homme aussi visionnaire que difficile à côtoyer. Grâce à ce rôle, Fassbender obtient une nomination à l’Oscar du Meilleur acteur. Steve Jobs est une leçon de jeu et de mise en scène, dense et captivante.

Jane Eyre (2011)

Jane Eyre est une adaptation sobre et élégante du roman de Charlotte Brontë, où Michael Fassbender interprète Edward Rochester, le ténébreux maître de Thornfield Hall. Face à Mia Wasikowska dans le rôle de Jane, il incarne un homme tourmenté, fier et vulnérable, en quête de rédemption. Le film, réalisé par Cary Fukunaga, se distingue par son atmosphère gothique, sa photographie soignée et sa fidélité à l’esprit du roman. Fassbender y apporte intensité et profondeur, rendant palpable la tension romantique entre les deux protagonistes. C’est une romance littéraire et mélancolique, où l’acteur révèle une facette plus classique et romantique de son talent.

Où regarder ces films avec Michael Fassbender ?

Tous ces films témoignent de l’étendue du registre de Michael Fassbender, entre performances intimes, fresques historiques et superproductions. Pour les (re)découvrir, rendez-vous sur le guide de streaming JustWatch. Vous pourrez y filtrer les plateformes disponibles (Netflix, Prime Video, Apple TV+...) et créer votre propre liste pour ne rien manquer de vos films préférés. Cliquez sur les logos ci-dessous pour accéder directement aux titres disponibles avec vos abonnements, ou cliquez sur "réinitialiser" pour afficher l’ensemble des films.

Du dessin à la réalité, le pas (fait avec un pied délicat chaussé  d’une pantoufle de vair) a souvent été sauté ! Les studios Disney ne se sont en effet pas privés de donner des traits humains à leurs héroïnes animées, avec une nette accélération de la production de ce genre de films ces dernières années. Belle, Ariel, Jasmine ont vu leurs traits devenir bien réels… et dernière en date : Blanche-Neige. Après le film de 2012 avec Lily Collins et Julia Roberts, puis une version un peu plus sombre avec Kristen Stewart et Charlize Theron, place à une version plus enfantine et une adaptation plus fidèle au dessin animé de 1937.

Nous vous proposons un classement JustWatch des meilleurs films en prises de vues réelles mettant en scène une princesse de la marque aux grandes oreilles, pour vous y retrouver dans la jungle des offres. 

1. Alice au pays des merveilles (2010)

L’héroïne et ses rencontres loufoques, ée à la moulinette de l’imagination débridée de Tim Burton : c’est le match parfait ! Les décors de ce film sont aussi fous que le chapelier, les personnages sont revisités avec tout l’onirisme requis et l’action est à la hauteur de cette aventure. Plus qu’un simple remake.

2. Maléfique (2014)

Cette relecture très moderne du conte originel La Belle au bois dormant (1959) fait la part belle à la sorcière de l’histoire plus que de la naïve Aurore. Angelina Jolie y est terrifique dans ce rôle loin d’être stéréotypé car il explore l’évolution, les douleurs et les choix du personnage. Le monde imaginé autour est époustouflant d’effets visuels.

3. La Belle et la Bête (2017)

Rien ne remplace dans notre cœur réinterprétation américaine avec Emma Watson respecte l’esprit du conte avec cette dose de magie en plus, rendue possible grâce aux effets spéciaux à la pointe à l’époque.

4. Aladdin (2019)

Pour son premier essai dans l’univers Disney, Guy Ritchie fait presque un sans-faute. Le tapis volant, l'intranquillité des héros et le choix de Will Smith dans la peau bleu du génie donnent une grande énergie à l’ensemble du film. Le décor d’Agrabah est superbe et la magie opère.

5. Blanche Neige (2025)

Le dernier remake Disney en live-action se concentre sur Blanche-Neige, venue au secours des 7 nains pour leur rendre la vie plus douce avant d’être victime d’un empoisonnement fatal. Rachel Zegler prend la robe de la princesse et Gal Gadot celle de la méchante reine. Le film est divertissant malgré quelques défauts - les effets spéciaux et les chansons.

6. Cendrillon (2015)

Signée Kenneth Branagh, cette romance revisitée a su garder la féérie du conte de Charles Perrault tout en composant un conte de fées dont les robes feront rêver les petites filles. Classique avec le petit brin de folie venant d’Helena Bonham-Carter, la Bonne Fée.

7. Blanche Neige (2012)

Cette année-là, il y a eu deux Blanche Neige : ce film est la version lumineuse, maniant parfois l’humour et la malice grâce notamment à la présence de Julia Roberts quand Blanche Neige et le chasseur prend une teinte plus sombre.

8. La Petite sirène (2023)

Bon point pour cette version : une comédienne métisse, Halle Bailey, a été recrutée pour prendre les traits d’Ariel ! Quand à cette relecture en prises de vue réelles, outre les impressionnants effets spéciaux pour faire croire à l’océan, l’intrigue aurait pu s’autoriser à s’éloigner un peu de la version classique.

9. Mulan (2020)

Approche plus réaliste et curseur de l’action poussé au maximum, Mulan garde ce souffle épique et guerrier du film d’animation. Les petites inexactitudes historiques qui ont suscité la controverse n’empêchent en rien l’avancée de l’intrigue.

10. Blanche Neige et le chasseur (2012)

Réinterprétation sombre et épique du conte classique de Blanche-Neige, cette version semble s’adresser davantage à des adultes. Blanche Neige, loin d’être ive, prend son destin en main face à la méchante reine interprétée ici par Charlize Theron.

11. Alice de l’autre côté du miroir (2016)

Même s’il s’inscrit dans la droite lignée du premier opus, sans Tim Burton à la réalisation, la vision insufflée dans cette suite manque d’un soupçon d’originalité de son maître, qui reste quand même le producteur. Pour le reste : la magie opère toujours ! 

Où voir en streaming les films de princesses Disney en prises de vue réelles ?

Elles sont belles, elles sont courageuses et vivent des destins extraordinaires depuis toujours en images animées… mais aussi en prises de vue réelles. Voici la liste des films de princesses Disney en live action à voir dans l’ordre de nos préférences. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films ou séries sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films ou séries tous services confondus.

Avec la sortie au cinéma de The Insider, où elle partage l'affiche avec Michael Fassbender, Cate Blanchett confirme une fois de plus sa place parmi les actrices les plus talentueuses et respectées du cinéma mondial. Récompensée à de multiples reprises, dont deux Oscars, elle a su construire une filmographie impressionnante mêlant grands rôles dramatiques, performances intimistes et blockbusters mémorables. Actrice caméléon, elle navigue avec aisance entre les époques, les genres et les registres, incarnant des personnages complexes et inoubliables.

Voici 10 de ses meilleures performances, à (re)découvrir en streaming, pour plonger dans l’univers fascinant d’une actrice aussi magnétique qu’exigeante.

L'Étrange histoire de Benjamin Button (2008)

Dans L'Étrange histoire de Benjamin Button, Cate Blanchett incarne Daisy, l’amour d’une vie impossible, aux côtés de Brad Pitt. Le film suit le destin singulier de Benjamin, né vieux et rajeunissant avec le temps. À travers ce récit poignant sur le temps qui e, Blanchett livre une performance touchante, empreinte de mélancolie, de grâce et de douceur. Son duo avec Pitt fonctionne à merveille, et leur histoire d’amour contrariée traverse les décennies avec émotion. Sa présence subtile et sa capacité à exprimer les nuances du vieillissement rendent son personnage inoubliable dans ce conte existentiel signé David Fincher.

Carol (2015)

Carol est sans doute l’un des rôles les plus élégants et nuancés de Cate Blanchett. Dans ce drame romantique réalisé par Todd Haynes, elle incarne Carol Aird, une femme sophistiquée des années 1950, engagée dans une relation ionnée mais interdite avec une jeune photographe, interprétée par Rooney Mara. Le film aborde la question de l’identité, du désir et du regard social avec une rare finesse. Blanchett y déploie une palette d’émotions contenues et de regards bouleversants. Sa prestation, tout en retenue et en intensité, a été saluée par la critique et lui a valu une nomination à l’Oscar de la meilleure actrice.

Tár (2022)

Dans Tár, Cate Blanchett incarne Lydia Tár, une cheffe d’orchestre de renommée mondiale confrontée à une chute brutale suite à des accusations mettant en péril sa carrière et son image. Ce rôle exigeant, presque écrit pour elle, lui permet de déployer toute l’ampleur de son jeu : autorité, fragilité, complexité morale. Le film, signé Todd Field, interroge le pouvoir, la musique et la rédemption avec une précision chirurgicale. Sa performance magistrale lui a valu de nombreuses récompenses et reste l’un de ses rôles les plus marquants. Blanchett incarne ici une femme de pouvoir fascinante, ambiguë, traversée par ses propres contradictions.

Aviator (2004)

Dans Aviator, le biopic de Martin Scorsese sur Howard Hughes, Cate Blanchett incarne la légendaire Katharine Hepburn. Elle y déploie une énergie saisissante, rendant hommage sans imitation à l’icône hollywoodienne. Ce rôle lui vaut l’Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle – une première pour une actrice jouant une autre actrice oscarisée. Sa performance est à la fois flamboyante et humaine, capturant à merveille l’indépendance et la modernité de Hepburn. Dans un film dominé par Leonardo DiCaprio, Blanchett brille par sa présence et son élégance, ajoutant une profondeur historique et émotionnelle au récit.

Blue Jasmine (2013)

Avec Blue Jasmine, Cate Blanchett livre une performance exceptionnelle dans le rôle de Jasmine, une mondaine ruinée et en chute libre, signée Woody Allen. Oscillant entre illusion et désespoir, elle incarne une femme brisée par la perte de son statut social, tentant désespérément de préserver les apparences. Ce rôle lui a valu son deuxième Oscar, cette fois comme meilleure actrice. Blanchett y explore la détresse psychologique avec une justesse rare, entre comédie amère et drame intérieur. Son jeu précis, intense et sans concession porte littéralement le film, qui repose presque entièrement sur sa présence magnétique.

Elizabeth (1998)

Elizabeth marque un tournant dans la carrière de Cate Blanchett. Dans ce biopic historique réalisé par Shekhar Kapur, elle incarne Elizabeth Ire d’Angleterre avec majesté, intelligence et intensité. Sa transformation progressive en souveraine impitoyable, prête à sacrifier sa vie privée pour son trône, impressionne par sa subtilité et sa puissance dramatique. Ce rôle lui vaut une reconnaissance internationale et une première nomination aux Oscars. Blanchett reviendra dans ce rôle en 2007 pour Elizabeth : l’âge d’or, consolidant son image de grande tragédienne du cinéma historique.

La Vie aquatique (2004)

Dans La Vie aquatique de Wes Anderson, Cate Blanchett incarne Jane Winslett-Richardson, une journaliste enceinte embarquée sur un bateau avec l’excentrique Steve Zissou, interprété par Bill Murray. Si le rôle semble secondaire, il permet à Blanchett d’explorer un registre plus absurde et décalé. Avec son ton pince-sans-rire, sa sensibilité discrète et son accent britannique parfaitement maîtrisé, elle s’intègre à merveille dans l’univers pastel et mélancolique de Wes Anderson. Ce film culte, à l’esthétique très marquée, offre à l’actrice une nouvelle facette de son talent dans une ambiance à la fois burlesque et poétique.

Babel (2006)

Dans Babel, Alejandro González Iñárritu construit un drame choral autour de plusieurs histoires connectées à travers le monde. Cate Blanchett y joue Susan, une Américaine grièvement blessée lors d’un voyage au Maroc, aux côtés de Brad Pitt. Son rôle, essentiellement physique et silencieux, repose sur l’émotion brute et la tension dramatique. Bien que peu présente à l’écran, elle parvient à capter l’attention par son expressivité et sa vulnérabilité. Le film, complexe et émouvant, explore les malentendus culturels et la fragilité des liens humains, et Blanchett y contribue avec une intensité remarquable.

I’m Not There (2007)

Dans I’m Not There, Cate Blanchett incarne une des multiples incarnations de Bob Dylan, dans un film expérimental signé Todd Haynes. Elle y joue Jude Quinn, un Dylan androgyne et rebelle, dans une prestation aussi audacieuse que fascinante. Bluffante dans ce rôle masculin, elle capte les gestes, la voix et l’attitude du chanteur avec une précision troublante. Son interprétation lui vaut la Coupe Volpi à Venise et une nomination aux Oscars. Ce rôle déjoue les attentes et confirme son statut d’actrice caméléon, capable d’endosser n’importe quelle identité avec un engagement total.

Le Seigneur des Anneaux : La Communauté de l'anneau (2001)

Dans Le Seigneur des Anneaux : La Communauté de l’anneau, Cate Blanchett incarne Galadriel, la souveraine elfique de Lothlórien. Si sa présence est brève, elle est marquante par son aura, sa diction envoûtante et sa prestance. À travers ce rôle emblématique de la trilogie de Peter Jackson, elle apporte une dimension mythologique et spirituelle à la fresque de Tolkien. Galadriel devient une figure quasi divine, sage et inquiétante à la fois, que Blanchett rend inoubliable. Sa performance ajoute une touche de mystère et de solennité à une saga déjà grandiose.

Où regarder ces films avec Cate Blanchett ?

Tous ces films illustrent la richesse du parcours de Cate Blanchett et la diversité de ses choix artistiques. Pour les (re)découvrir en streaming, rendez-vous sur le guide JustWatch. Vous pourrez filtrer les plateformes disponibles (Netflix, Prime Video, Canal+, Apple TV+...) et créer votre propre liste personnalisée. Cliquez sur les logos ci-dessous pour accéder directement aux titres inclus dans vos abonnements, ou cliquez sur "réinitialiser" pour afficher l’ensemble de la sélection.

Le film The Insider est un thriller d'espionnage réalisé par Steven Soderbergh, sorti en le 12 mars 2025. Il met en vedette Cate Blanchett et Michael Fassbender dans les rôles de Kathryn et George Woodhouse, un couple d'agents secrets britanniques. L'intrigue se concentre sur George, confronté à un dilemme déchirant lorsque sa femme est soupçonnée de trahison envers la nation, le poussant à choisir entre sa loyauté envers son mariage ou envers son pays.

Si vous avez aimé l’équilibre entre suspense, humour, espionnage et élégance, voici 10 films dans la même veine à (re)découvrir sans attendre.

1. Mr. & Mrs. Smith (2005)

Dans ce thriller d’action signé Doug Liman, Brad Pitt et Angelina Jolie incarnent un couple apparemment ordinaire dont le mariage est secoué lorsqu’ils découvrent qu’ils sont tous deux des tueurs à gages travaillant pour des agences rivales. Le film réussit le pari d’allier comédie, tension romantique et scènes d’action spectaculaires, dans une ambiance glamour et explosive. Comme The Insider, Mr. & Mrs. Smith joue sur l’alchimie entre ses deux protagonistes, le double jeu et les manipulations. La dynamique entre amour et trahison y est savamment exploitée, avec une réalisation fluide et un humour acide. C’est un divertissement rythmé et élégant, qui saura séduire ceux qui aiment les histoires d’espionnage teintées de charme et de conflits personnels.

2. Le Pont des espions (2015)

Réalisé par Steven Spielberg, Le Pont des espions plonge le spectateur en pleine guerre froide, dans une intrigue inspirée de faits réels. Tom Hanks y incarne un avocat américain chargé de négocier l’échange de prisonniers entre les États-Unis et l’Union soviétique. Le film brille par sa reconstitution historique, son écriture et ses dialogues tendus, portés par une mise en scène sobre, mais efficace. Comme The Insider, il explore les coulisses de la diplomatie et les tensions entre les grandes puissances à travers le prisme de personnages humains, déés par les enjeux, mais déterminés. Spielberg signe un thriller intelligent et maîtrisé, où l’espionnage devient une affaire de morale et de responsabilité, plus que d’action spectaculaire.

3. Conversation secrète (1974)

Ce chef-d’œuvre de Francis Ford Coppola suit Harry Caul (Gene Hackman), un expert en surveillance audio hanté par l’idée que son travail pourrait ca la mort de deux personnes. À travers une mise en scène minimaliste et une bande-son omniprésente, Conversation secrète explore brillamment la paranoïa, la solitude et la responsabilité morale. Loin des clichés de l’espionnage musclé, le film se concentre sur la tension psychologique et la culpabilité. Comme The Insider, il questionne le poids de l’information, le rôle de ceux qui la manipulent et les conséquences de leurs actes. C’est un thriller lent, subtil, mais profondément marquant, dont l’influence se retrouve encore dans de nombreux films contemporains sur l’espionnage.

4. La Taupe (2011)

Adapté du roman de John le Carré, ce film réalisé par Tomas Alfredson propose une plongée froide et méthodique dans les arcanes du MI6 durant la guerre froide. Gary Oldman y incarne George Smiley, un ancien agent chargé d’identifier une taupe au sein du service. Loin des scènes d’action spectaculaires, La Taupe mise sur le jeu d’acteurs, la tension contenue et l’ambiance pesante. Comme The Insider, il met en avant les manipulations, les faux-semblants et la fragilité des alliances dans un monde où la vérité est toujours floue. C’est un film d’espionnage exigeant, qui récompense l’attention du spectateur par une intrigue dense et une atmosphère unique.

5. Munich (2005)

Réalisé par Steven Spielberg, Munich revient sur les conséquences de l’attentat des JO de Munich en 1972. Le film suit un groupe d’agents du Mossad chargés d’éliminer les responsables, dans une mission officieuse marquée par le doute et la violence. Daniel Craig et Eric Bana portent ce récit tendu et introspectif, qui interroge la légitimité de la vengeance et l’impact moral de l’engagement clandestin. À l’image de The Insider, Munich évite le manichéisme pour offrir un portrait nuancé d’hommes tiraillés entre convictions et exécutions. Sa réalisation élégante et son questionnement éthique en font un film fort, à la fois politique et profondément humain.

6. Sens unique (1987)

Réalisé par Roger Donaldson, Sens unique est un thriller d'espionnage captivant avec Kevin Costner dans le rôle principal. Officier de la marine américaine, Tom Farrell se retrouve au cœur d'un dangereux complot impliquant le meurtre d'une jeune femme liée à un haut responsable du gouvernement. Alors que les soupçons commencent à peser sur lui, Farrell doit prouver son innocence tout en échappant aux manipulations politiques qui menacent sa vie. Tout comme The Insider, le film excelle dans l'art de brouiller les pistes et maintenir une tension constante grâce à une intrigue complexe et riche en rebondissements.

7. Mensonges d'état (2008)

Dans ce film réalisé par Ridley Scott, Leonardo DiCaprio incarne un agent de la CIA en poste au Moyen-Orient, confronté aux manipulations politiques de ses supérieurs, incarnés par Russell Crowe. Mensonges d'état offre un regard acéré sur la guerre contre le terrorisme et les contradictions de l’intervention américaine. Avec une tension constante, des scènes d’action efficaces et une réflexion sur la désinformation, le film évoque les thèmes centraux de The Insider : les doubles jeux, les relations ambivalentes entre alliés, et l’ombre de la géopolitique sur les missions de terrain. Porté par deux acteurs puissants et une mise en scène nerveuse, c’est un thriller d’espionnage contemporain et intense.

8. Atomic Blonde (2017)

Charlize Theron incarne Lorraine Broughton, une espionne redoutable envoyée à Berlin pendant la chute du mur, dans ce film d’action stylisé réalisé par David Leitch. Atomic Blonde impressionne par ses chorégraphies de combat, sa bande-son électro new wave et son esthétique glaciale. Mais derrière son apparence clipesque, le film développe un jeu d’alliances et de trahisons complexe, où personne n’est totalement fiable. Comme The Insider, il repose sur une protagoniste brillante, ambivalente, évoluant dans un monde dominé par la violence et la manipulation. C’est une relecture nerveuse et féminine du film d’espionnage, qui marie efficacement tension narrative et spectacle visuel.

9. Ocean’s Eleven (2001)

Ce remake signé Steven Soderbergh rassemble un casting cinq étoiles – George Clooney, Brad Pitt, Julia Roberts, Matt Damon – pour un film de braquage à la mécanique parfaitement huilée. Si Ocean’s Eleven n’est pas un film d’espionnage au sens strict, il partage avec The Insider le goût des opérations secrètes, des déguisements, des manipulations ingénieuses et des dialogues pleins d’esprit. Le charme du groupe, la précision du plan et le plaisir de voir les pièces s’imbriquer en font un divertissement malin et élégant. Pour ceux qui ont aimé l’humour, le rythme et l’intelligence de The Insider, Ocean’s Eleven est un parfait complément.

10. La Mémoire dans la peau (2002)

Dans ce classique du renouveau du film d’espionnage, Matt Damon incarne Jason Bourne, un homme amnésique traqué par ses anciens employeurs alors qu’il tente de reconstituer son é. Réalisé par Doug Liman, La Mémoire dans la peau mêle suspense, action et tension psychologique, tout en offrant une réflexion sur l’identité et les manipulations institutionnelles. À l’image de The Insider, le film montre un protagoniste pris au piège d’un système opaque, contraint de s’en affranchir pour retrouver le contrôle. C’est un thriller nerveux, réaliste et efficace, qui a relancé tout un pan du cinéma d’action intelligent et influencé de nombreuses œuvres du genre.

Où regarder les films similaires à 'The Insider' en streaming ?

Si vous souhaitez (re)découvrir ces films similaires à The Insider, rendez-vous sur le guide de streaming JustWatch ! Vous pourrez filtrer votre recherche par plateforme, genre, prix, classification d'âge et notes. Ci-dessous, vous pouvez cliquer sur les logos des services que vous utilisez pour afficher uniquement les titres disponibles avec vos abonnements, ou sur "réinitialiser" pour voir l'ensemble de la sélection. Pensez également à créer votre liste personnalisée et à recevoir des notifications utiles selon vos préférences pour ne rien manquer !

Avec Mickey 17, Bong Joon-ho, qui n’a pas peur d’explorer une grande variété de genres, fait une incursion remarquée dans l'univers de la science-fiction, abordant avec finesse et profondeur des thèmes tels que le clonage, la survie en milieu hostile et la déshumanisation engendrée par un capitalisme extrême. Ce film, porté par une esthétique futuriste soignée et une réflexion sur l'éthique et la condition humaine, offre un regard critique et sombre sur les conséquences des progrès technologiques lorsqu'ils sont subordonnés aux impératifs économiques et que les pleins pouvoirs sont entre les mains d’un dirigeant totalement en décalage avec la réalité. Bong poursuit ainsi son exploration des dérives sociétales, tout en offrant une intrigue captivante et pleine de suspense. Le film flirt sans se cacher avec l’actualité et nous horrifie autant qu’il nous fait rire jaune. Robert Pattinson est magistral, tandis que Mark Ruffalo, toujours aussi talentueux, incarne parfaitement un dirigeant dérangé, qui compense son idiotie par une expression exacerbée du pouvoir.

Si vous avez été marqué par l'univers riche et percutant de Mickey 17, découvrez cette sélection de films aux thématiques similaires. Chacun de ces longs-métrages partage avec lui une réflexion philosophique profonde, des questionnements éthiques forts, ainsi qu'une capacité à mêler intelligemment action spectaculaire et vision dystopique marquante.

1. Snowpiercer (2013)

Adapté de la bande dessinée Le Transperceneige, Snowpiercer nous plonge dans un futur où les derniers survivants de l'humanité vivent à bord d'un train en perpétuel mouvement, divisé en classes sociales strictes. Les plus pauvres, entassés dans les wagons arrière, tentent désespérément de renverser l'élite qui occupe les premières classes. Comme Mickey 17, le film de Bong Joon-ho est une critique puissante du capitalisme et des inégalités systémiques, où la lutte pour la survie devient une allégorie de la lutte des classes. Avec une mise en scène haletante et un casting impressionnant, dont Chris Evans et Tilda Swinton, Snowpiercer alterne scènes d’action spectaculaires et moments de tension psychologique. Le film interroge la résilience humaine et la violence nécessaire à la révolution, faisant de cette œuvre dystopique une référence incontournable du genre.

2. Moon: La Face cachée (2009)

Dans ce thriller de science-fiction réalisé par Duncan Jones, Sam Rockwell incarne un employé d'une station lunaire qui découvre qu'il n'est peut-être pas aussi seul qu'il le pensait. Seul depuis des années sur la Lune, il commence à perdre pied lorsqu'il rencontre un mystérieux double de lui-même, soulevant ainsi des questions troublantes sur son identité et sa mission. Moon aborde des thèmes similaires à Mickey 17, notamment le clonage, l'exploitation des travailleurs par de grandes corporations et la manipulation des individus à des fins économiques. Avec une réalisation minimaliste mais immersive, le film repose sur une atmosphère pesante et une tension psychologique grandissante. La performance poignante de Rockwell ajoute à l’intensité dramatique du récit, renforçant l’aspect humain de cette réflexion existentielle sur la solitude, la mémoire et le libre arbitre. Un film captivant qui interroge la nature même de ce qui nous définit en tant qu’êtres humains.

3. Edge of Tomorrow (2014)

Tom Cruise et Emily Blunt sont au cœur de cette fresque de science-fiction inspirée du light novel japonais All You Need is Kill. Dans un futur où la Terre est envahie par des extraterrestres, un soldat se retrouve coincé dans une boucle temporelle, revivant sans cesse la même journée de combat. D'abord lâche et inexpérimenté, il apprend progressivement à devenir un guerrier redoutable, changeant ainsi le cours de l'humanité. Comme Mickey 17, Edge of Tomorrow joue avec l'idée de la mort et de la renaissance. Le film offre un mélange parfait entre action spectaculaire, intrigue bien écrite et réflexion existentielle sur le temps et l’évolution personnelle. Avec des scènes de combat impressionnantes et une dynamique explosive entre Cruise et Blunt, il s'impose comme une référence du genre.

4. Nausicaä de la Vallée du Vent (1984)

Bien que très différent sur le plan stylistique, Nausicaä de la Vallée du Vent partage avec Mickey 17 un intérêt pour les thèmes de la survie, de l'écologie et de la condition humaine. Ce chef-d'œuvre de Hayao Miyazaki suit une princesse courageuse qui cherche à protéger son monde post-apocalyptique, où la nature reprend ses droits après une catastrophe écologique causée par l'avidité humaine. Le film propose une réflexion poignante sur l'équilibre entre l'homme et son environnement, tout en offrant une animation somptueuse et des personnages marquants. Son récit épique, mêlant aventure, spiritualité et politique, en fait une œuvre intemporelle qui résonne encore aujourd'hui. De plus, certains plans de Mickey 17 rappellent énormément ceux de Nausicaä, notamment dans la représentation des paysages dévastés et des structures imposantes qui écrasent les protagonistes. Certains fans de Miyazaki voient aussi de nombreuses similitudes dans l'histoire, de quoi donner envie d'aller voir Mickey 17 ! 

5. Source Code (2011)

Réalisé par Duncan Jones, Source Code met en scène Jake Gyllenhaal dans le rôle d'un soldat piégé dans une simulation temporelle visant à empêcher un attentat. Alors qu’il revit sans cesse les huit dernières minutes avant l’explosion, il doit démêler un mystère complexe tout en faisant face à des révélations sur sa propre existence. Le film joue sur des concepts similaires à ceux de Mickey 17, notamment l'altération de l'identité, les conséquences des choix et la manipulation des individus par des entités supérieures. Grâce à un rythme haletant, une narration intelligente et une réalisation immersive, Source Code parvient à maintenir une tension constante tout en posant des questions philosophiques sur la perception du temps et la nature du libre arbitre. Avec une fin saisissante et une performance remarquable de Jake Gyllenhaal, ce thriller SF captivant laisse une empreinte durable sur ses spectateurs.

6. District 9 (2009)

Réalisé par Neill Blomkamp, District 9 est une critique sociale déguisée en film de science-fiction. Dans un futur proche, une race extraterrestre est parquée dans des bidonvilles en Afrique du Sud, traitée comme une population opprimée, surveillée et exploitée par des gouvernements et des entreprises sans scrupules. Inspiré par l'histoire de l'apartheid, le film dénonce les mécanismes de ségrégation et d'exploitation des populations marginalisées. En abordant des thèmes comme la discrimination, l'exploitation et l'éthique scientifique, District 9 résonne fortement avec les questions soulevées dans Mickey 17, notamment la marchandisation des êtres vivants et la lutte pour la survie face à des forces dominantes. Avec son esthétique quasi-documentaire, ses effets spéciaux immersifs et son intrigue poignante, ce film mélange action, réflexion et émotion, faisant de District 9 une référence incontournable du genre.

7. Parasite (2019)

Oscarisé et unanimement salué, Parasite est un thriller social où Bong Joon-ho dissèque les inégalités avec une virtuosité sans égale. Le film raconte l'histoire d'une famille pauvre qui s'infiltre progressivement dans le quotidien d'une riche famille, exposant les tensions sociales et les écarts de classe de manière incisive. Bien qu'il ne s'agisse pas de science-fiction, le film partage avec Mickey 17 une analyse mordante du capitalisme et de la lutte des classes. À travers des personnages complexes, des rebondissements inattendus et un humour noir savamment dosé, Parasite aborde les thèmes de l'ambition, de la moralité et des conséquences brutales des inégalités économiques. Son scénario ingénieux, sa mise en scène implacable et son impact émotionnel fort en font une œuvre majeure du cinéma contemporain, indispensable pour comprendre le regard critique et humaniste de Bong Joon-ho.

8. Pauvres créatures (2023)

Réalisé par Yorgos Lanthimos, Pauvres créatures est une fable étrange et satirique qui raconte l'histoire d'une femme ramenée à la vie par un scientifique excentrique. Dépourvue de souvenirs, elle doit découvrir le monde et sa propre identité au travers de ses propres expériences, souvent déroutantes et provocatrices. Tout comme Mickey 17, le film explore profondément les notions de réinvention de soi, de la nature de l’existence humaine et de la transgression des normes biologiques et sociales établies. Porté par une performance audacieuse d’Emma Stone, Poor Things mêle habilement éléments de science-fiction et humour absurde. La réalisation singulière et inventive de Lanthimos met en lumière une réflexion fascinante et parfois dérangeante sur la liberté, l'individualité et les conventions sociales, tout en offrant une esthétique visuelle exceptionnelle. Un film à la fois troublant et captivant, qui pousse à réfléchir sur ce qui constitue réellement l’humanité.

9. Blade Runner 2049 (2017)

Ce chef-d'œuvre de Denis Villeneuve explore un futur dystopique où les réplicants, des êtres artificiels conçus pour servir les humains, cherchent à se libérer du contrôle imposé par la société humaine. Le film suit l'officier K (Ryan Gosling), un nouveau Blade Runner chargé d’éliminer les anciens modèles réplicants rebelles, qui découvre un secret profondément enfoui, capable de bouleverser l’ordre établi et remettre en question sa propre identité. Avec une photographie somptueuse et une ambiance mélancolique enveloppante, Blade Runner 2049 questionne avec finesse et profondeur les concepts de mémoire, d'identité personnelle, et d'âme humaine—des thèmes qui font écho à ceux explorés dans Mickey 17. Porté par des performances saisissantes de Gosling et Harrison Ford, le film constitue une expérience à la fois sensorielle et philosophique exceptionnelle, prolongeant et enrichissant intelligemment l'univers du classique original.

10. Okja (2017)

Autre film de Bong Joon-ho, Okja mêle satire sociale et récit d'aventure en suivant une jeune fille déterminée à sauver son amie, une créature génétiquement modifiée, des griffes d'une multinationale sans scrupules. La jeune héroïne, Mija, se lance dans une quête héroïque qui l’emmène des montagnes coréennes jusqu'à New York, révélant au age les rouages impitoyables de l'industrie agroalimentaire. Comme Mickey 17, Okja interroge profondément le rapport entre l'humanité et la biotechnologie, soulignant les abus du capitalisme, la manipulation médiatique et la valeur intrinsèque de la vie animale. À la fois tendre et brutal, ce film marie brillamment émotion et critique sociale, mettant en scène des performances remarquables de Tilda Swinton, Paul Dano et An Seo-hyun. À travers un mélange d'humour sombre, d'action palpitante et de réflexion philosophique, Okja reste une œuvre marquante et profondément émouvante

11. Idiocracy (2006)

Dans un registre plus comique, Idiocracy imagine un futur où l'humanité est devenue incroyablement stupide, résultat d'une société ultra-consumériste et dénuée de réflexion. Joe Bauers, un homme tout à fait banal cryogénisé pendant 500 ans, se réveille dans un monde où la bêtise est devenue la norme et où la civilisation s'effondre sous le poids de l'ignorance collective. Comme Mickey 17, Idiocracy met en lumière les dérives d’un monde où la technologie et les systèmes économiques mènent à une déshumanisation totale, dénonçant une société où l’intelligence et la réflexion ont été sacrifiées sur l’autel du divertissement et de la consommation de masse. Derrière une apparence absurde et ses situations grotesques, Idiocracy cache une critique cinglante du monde moderne, questionnant notre rapport à la science, à l’éducation, aux médias, et à ceux et celles qui nous dirigent. Le film, visionnaire à bien des égards, continue de résonner dans un contexte où la désinformation et la culture de l’instantanéité prennent de plus en plus de place.

Où regarder ces films en streaming ?

Si vous avez aimé Mickey 17, ces films sauront vous captiver. Retrouvez-les sur vos plateformes de streaming préférées, que ce soit Netflix, Prime Video, Canal+, Apple TV+ et d’autres encore. Cliquez sur les logos ci-dessous pour voir uniquement les films disponibles avec vos abonnements, ou sur "réinitialiser" pour afficher l'intégralité de la sélection.

Révélé par deux productions poids lourds destinées aux adolescents, Robert Pattinson a fait ses premières armes dans The Lighthouse.

Nous vous proposons un guide JustWatch des dix meilleurs films avec Robert Pattinson au casting, classés dans l’ordre de nos préférences.

The Batman (2022)

Avec une approche plus réaliste et plus sombre, ce thriller noir fait du justicier solitaire (et dépressif ?) davantage un détective qu’un super-héros dans un Gotham très cru. Une façon inventive de renouveler les aventures du super-héros sans trop toucher à l’icône. Dans le rôle de Bruce Wayne/Batman, Robert Pattinson apporte une vulnérabilité au personnage qu’on avait moins vu dans les interprétations de ses prédécesseurs.

Tenet (2020)

Dans le film complètement dingue de Christopher Nolan, Robert Pattinson (qui avoue lui-même ne pas forcément avoir tout compris) est impressionnant dans le rôle de Neil, allié clé du personnage principal. En jouant la décontraction et le fatalisme dans des moments tendus, avec des répliques percutantes balancées calmement, il apporte un bel équilibre au duo et un point de repère dans une intrigue mouvante.

The Lost City of Z (2016)

Dans la peau d’un explorateur britannique, compagnon de Percy Fawcett (Charlie Hunnam) dans sa quête de découvrir une civilisation perdue dans la jungle amazonienne, Robert Pattinson montre son talent pour jouer la vulnérabilité, le doute, les conflits intérieurs face à d’autres membres de l’expédition plus bourrus.

Mickey 17 (2025)

Bong Joon Ho fait vivre 17 fois Robert Pattinson dans un blockbuster de SF où le héros, Mickey Barnes, se tue littéralement à la tâche pour son entreprise qui exige qu’il meurt régulièrement pour gagner sa vie. Challenge d’acteur, cette satire politique incisive demande à Robert Pattinson de s’activer dans un double-rôle ! Pari réussi.

Good Time (2017)

Performance exceptionnelle de Robert Pattinson dans ce film de Josh et Benny Safdie qui parle d’un braquage qui tourne mal et des liens forts entre deux frères où l’un, libre (Robert Pattinson), va essayer de sauver l’autre, emprisonné. La mise en scène fiévreuse donne de la puissance au propos et au jeu impeccable du comédien.

The King (2019)

Dans ce drame historique, Robert Pattinson incarne Louis, le dauphin de , un prince arrogant et détestable. Entre sa transformation physique, son excellent accent français et une gestuelle très travaillée, le comédien est méconnaissable et fait illusion dans un registre qui oscille entre le comique et l’effrayant.

Harry Potter et la coupe de feu (2005)

C’est un de ses films de jeunesse qui l’a rendu très populaire : comme beaucoup de comédiens anglais, Robert Pattinson a é une tête dans l’adaptation de l'œuvre de J.K Rawling au cinéma (le quatrième film). Héros éphémère, le comédien prit part avec fougue à ce projet, et reste une grande figure de la saga. 

The Lighthouse (2019)

Dans ce curieux film de Robert Eggers, Robert Pattinson joue un gardien de phare perdant peu à peu pied avec la réalité, piégé dans un environnement claustrophobe et en proie à la folie. Pour jouer ce désespoir, les silences, les gestes maladroits et les troubles de la santé mentale, le comédien invente une grammaire de jeu très aboutie.

Life (2015)

Dans ce drame biographique sur James Dean, Robert Pattinson est épatant dans la peau de Dennis Stock, photographe de renommée qui a immortalisé des moments-clés de la carrière de l’acteur. Jouant une personnalité calme et introspective, le comédien excelle à parler peu et observer beaucoup. 

The Rover (2014)

Dans la peau de Rey, jeune homme vulnérable et désorienté, Robert Pattinson s’illustre avec brio. Ce road-movie très beau voit le comédien jouer la confusion, la curiosité, le détachement avec beaucoup d’intensité.

Où regarder les 10 meilleurs films de Robert Pattinson en streaming ?

Le talentueux Robert Pattinson, qui mène une carrière riche et éclectique depuis plus de 20 ans, a multiplié les tournages, montrant au fil de ses prestations une palette de jeu très large. Voici la liste de ses dix meilleurs films à voir dans l’ordre de nos préférences. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films ou séries sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films ou séries tous services confondus.

Depuis ses débuts en 2007, The Big Bang Theory s'est imposée comme l'une des sitcoms les plus populaires de ces dernières décennies, attirant des millions de téléspectateurs à travers le monde. Son dernier épisode, diffusé en mai 2019, a rassemblé plus de 18 millions de spectateurs aux États-Unis, témoignant de son incroyable impact culturel.

Créée par Chuck Lorre et Bill Prady, la série raconte le quotidien décalé de Leonard Hofstadter, Sheldon Cooper et leurs amis, explorant avec humour les difficultés sociales et sentimentales d’un groupe de scientifiques ionnés par la culture geek. Forte de 279 épisodes répartis sur douze saisons, la série a reçu de nombreux prix, dont dix Emmy Awards, et a su séduire un public varié grâce à son mélange unique de références geek, d’humour accessible et d’émotions sincères.

Véritable phénomène mondial, The Big Bang Theory a été diffusée dans plus de 70 pays et a inspiré plusieurs spin-offs qui continuent d’enrichir son univers. Ces séries permettent d'explorer davantage les personnages emblématiques et d'approfondir certaines intrigues, assurant ainsi la pérennité de cet univers comique adoré du public.

Si vous êtes fan de The Big Bang Theory, voici toutes les séries et spin-offs à regarder dans l'ordre pour prolonger le plaisir.

The Big Bang Theory (2007–2019)

La série originale suit Leonard Hofstadter et Sheldon Cooper, deux physiciens brillants mais socialement maladroits, ainsi que leurs amis Howard, Raj, et leur voisine Penny. Dès son lancement, The Big Bang Theory a su captiver le public grâce à son humour intelligent et ses références pointues à la culture geek. La série met en avant la dynamique entre ces personnages, leur évolution personnelle et professionnelle, ainsi que leurs relations amoureuses qui apportent des situations souvent hilarantes. Au fil des douze saisons et des 279 épisodes, elle explore l'amitié, l'ambition et l'amour sous un prisme unique, offrant des moments aussi drôles qu’émouvants. Portée par un casting charismatique, notamment Jim Parsons, Johnny Galecki, Kaley Cuoco, Simon Helberg et Kunal Nayyar, la série s’est imposée comme une référence incontournable de la télévision moderne, cumulant de nombreuses récompenses et un immense succès critique et populaire.

Young Sheldon (2017)

Young Sheldon est une préquelle qui explore l’enfance de Sheldon Cooper, incarné par Iain Armitage, dans une petite ville du Texas. Narrée par Jim Parsons, acteur original de Sheldon adulte, la série montre comment le jeune génie doit composer avec une famille aimante mais perplexe face à son intelligence exceptionnelle, ainsi qu'avec ses camarades de classe qui le voient comme un extraterrestre. Mêlant tendresse, humour subtil et sensibilité, Young Sheldon offre un regard plus intime sur le personnage emblématique, enrichissant l’univers original tout en séduisant un nouveau public grâce à sa finesse d’écriture et à ses personnages authentiques.

Le premier mariage de Georgie et ​​Mandy (2024)

Ce spin-off, lancé en 2024, se concentre sur la vie conjugale de Georgie Cooper, frère aîné de Sheldon, incarné par Montana Jordan, et de Mandy McAllister, jouée par Emily Osment. En explorant les défis du mariage précoce et les complexités de la vie de couple, cette série réussit à mêler moments comiques et drame familial. Proche des préoccupations du quotidien, Le premier mariage de Georgie et ​​Mandy conserve le ton humoristique et chaleureux de l'univers original tout en abordant des thématiques universelles telles que la responsabilité, la maturité et l’amour au sein d’un jeune couple.

Où regarder Big Bang Theory et ses spin-offs en streaming ?

Si vous souhaitez (re)découvrir l'univers de The Big Bang Theory, ses spin-offs et ses personnages cultes, ces séries sont disponibles sur plusieurs plateformes de streaming, notamment Netflix, Prime Video, Canal+ et bien d'autres. Cliquez sur les logos ci-dessous pour voir uniquement les séries accessibles avec vos abonnements, ou utilisez "réinitialiser" pour afficher l'intégralité de la sélection.

Par leur ingéniosité, les effets visuels, allant de simples trucages à des technologies plus complexes, rendent l’expérience d’un film plus immersive. C’est en 1960 que la catégorie les récompensant aux Oscars a été créée, pointant depuis, chaque année, les moyens les plus révolutionnaires du moment. Quels sont les lauréats les plus marquants dont le travail continue d’émerveiller le public ?

Découvrez notre guide complet JustWatch des films les plus mémorables du cinéma mondial de cette catégorie à part des Oscars. La liste inclut la façon dont vous pouvez regarder chacun des longs métrages proposés. 

1 - Mary Poppins (1964)

Produit par Walt Disney, ce film compte des effets spéciaux exceptionnels pour l’époque : il intègre de manière fluide de l’animation aux prises de vues réelles. Notamment la scène où Mary Poppins et les enfants sautent dans le tableau dessiné à la craie sur le sol. L’utilisation de la Technicolor avec des couleurs vibrantes a renforcé l’aspect féérique du film. Le montage a permis aussi de nombreuses scènes magiques et il y a aussi les vols de la nounou en parapluie, créés grâce à des techniques de câblage rendues invisibles.

2 - 2001, l’odyssée de l’espace (1968)

Le film de Stanley Kubrick a marqué un tournant dans l’histoire du cinéma grâce à ses effets spéciaux : le réalisateur a utilisé des modèles miniatures et des maquettes pour créer des vaisseaux spatiaux et des stations en orbite autour de la Terre. Pour plonger les spectateurs dans une expérience sensorielle unique, Kubrick a aussi utilisé des procédés comme la projection arrière, des peintures fluorescentes et des techniques d’animation. Il a aussi été très inventif pour simuler la rotation de la station spatiale.

3 - Alien, le huitième ager (1979)

Entre la conception du vaisseau Nostromo et la création du Xénomorphe, la créature extraterrestre iconique, par le concepteur H.R. Giger, le film de Ridley Scott est une référence. Contrairement à de nombreux films contemporains qui se tournaient vers des effets numériques ou des techniques de montage, Alien a utilisé principalement des effets mécaniques : marionnettes animées, costumes portés par des acteurs etc. Notamment lors de la scène mythique quand l’Alien jaillit du torse d’un des membres de l’équipage.

4 - Star Wars, épisode V : l’Empire contre-attaque (1980)

Le deuxième film de la saga est un incontournable en matière d’effets spéciaux. Stop-motion, maquettes ultra-réalistes des vaisseaux spatiaux comme le Millenium Falcon et les Star Destroyers, décors impressionnants avec des techniques de miniatures et de compositing d’images donnant une sensation de grandeur. Sans oublier Yoda, conçu en animatronique, avec des mouvements extrêmement réalistes pour l’époque. 

5 - Indiana Jones et le temple maudit (1984)

Pyrotechnie, cascades, maquettes, animatroniques pour les serpents, prothèses et maquillage spécial pour la scène la plus choquante du cœur arraché… Steven Spielberg a utilisé de nombreuses techniques à sa disposition pour faire de son film une aventure spectaculaire mais réaliste. 

6 - Jurassic Park (1993)

Avant ce film révolutionnaire, les dinosaures n’étaient apparus à l’écran qu’à l’aide de maquettes. Pionnier, Jurassic Park propose des effets numériques bluffants pour l’époque, des animations par ordinateurs mêlées à la technique des animatroniques, qui permettent de proposer des T-Rex et raptors dignes de ce nom. 

7 - Independence Day (1996)

Le film de Roland Emmerich est devenu un modèle pour les blockbusters de science-fiction. Il a ouvert la voie à une nouvelle ère dans l’utilisation de la modélisation 3D et des animations (pour le vaisseau-mère), des explosions à grande échelle et des scènes de destruction massive (la pulvérisation de l’Empire State Building et de la Maison Blanche par exemple). 

8 - Titanic (1997)

Qui n’a pas été bluffé par le réalisme du paquebot dans le film de James Cameron ? Réalisé grâce à une combinaison de maquettes grandeur nature et reconstitutions informatiques, le navire a été en partie reconstruit dans des studios et mis en eau pour les scènes en mer. Le travail de modélisation 3D a quant à lui permis de recréer avec une grande précision l’architecture intérieure et extérieure du Titanic avec un grand réalisme. Certaines scènes de mer, comme la vue aérienne du Titanic au large de l’océan, ont nécessité l’utilisation d’images générées par ordinateur (VFX).

9 - Le seigneur des anneaux : le retour du roi (2003)

Tous les films de la saga ont été une prouesse en matière d’innovations visuelles. Pour le Retour du Roi en particulier, Peter Jackson a introduit de nombreuses nouveautés technologiques comme la motion capture pour Gollum (interprété par l’acteur Andy Serkis) ou comme la technologie de capture de mouvement et de compositing pour donner vie à une armée surnaturelle mais réaliste. 

10 - Dune (2021)

Le film de Denis Villeneuve offre de nouvelles avancées en terme de visuel grâce à ses effets spéciaux spectaculaires et aussi grâce à son approche réaliste et immersive. Entre effets numériques de pointe, décors réels, écrans LED et motion capture, les effets s’intègrent parfaitement dans le récit.

Où regarder en streaming les films récompensés par l’Oscar des Meilleurs effets visuels ?

Les films aux effets visuels les plus dingues sont disponibles en streaming. Voici la liste de ces productions ci-dessous. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

Depuis ses débuts, Bong Joon-ho s'est imposé comme l'un des réalisateurs les plus talentueux et originaux du cinéma contemporain. Ce cinéaste sud-coréen est reconnu pour ses intrigues captivantes, son humour noir incisif, son esthétique visuelle soignée et son sens critique profond envers les inégalités sociales. Lauréat de plusieurs récompenses prestigieuses, dont l’Oscar du meilleur réalisateur et du meilleur film pour Parasite, Bong a la capacité unique de mêler suspense, satire sociale et émotions fortes. Ses films, souvent centrés sur des personnages complexes et confrontés à des situations extraordinaires, interrogent constamment les fondements de nos sociétés modernes. Bong Joon-ho est particulièrement apprécié pour son analyse pointue et souvent satirique du capitalisme moderne. Dans ses films, il dénonce les injustices systémiques, les inégalités économiques et les abus de pouvoir qui façonnent nos sociétés actuelles. Ses récits interrogent constamment les conséquences morales et humaines des systèmes économiques dominants, tout en conservant une approche profondément humaine et accessible.

Son dernier film, Mickey 17, continue cette exploration critique en abordant les implications éthiques du clonage humain et la manière dont le capitalisme réduit les individus à de simples ressources exploitables. À travers des scénarios captivants et des personnages profondément nuancés, Bong invite le spectateur à réfléchir sur la valeur de la vie humaine face à l'impératif de rentabilité.

Voici une sélection de ses meilleurs films classés en commençant par le meilleur, tout en sachant qu'aucun n'est mauvais et que tous valent le détour dans une salle de cinéma ou devant votre télévision.

1. Parasite (2019)

Film emblématique de Bong Joon-ho, Parasite a marqué l’histoire du cinéma en remportant quatre Oscars, dont celui du meilleur film, une première pour une production non-anglophone. Le film retrace l'histoire d'une famille pauvre infiltrant progressivement la vie d'une riche famille, exposant ainsi de manière magistrale les tensions et fractures de la société coréenne contemporaine. Avec des personnages riches en nuances, une mise en scène précise et un scénario imprévisible, Parasite est une critique sociale intelligente et percutante. Bong Joon-ho y mêle humour noir, suspense et satire sociale, jouant sur des contrastes saisissants entre luxe et misère. Grâce à sa construction narrative exemplaire et des plans saisissants qui mériteraient chacun une analyse tellement ils sont remplis de sens, le film a su conquérir à la fois le public et la critique internationale, devenant une référence incontournable du cinéma moderne.

2. Memories of Murder (2003)

Inspiré d'une histoire vraie, Memories of Murder est un thriller haletant qui suit deux détectives aux méthodes radicalement opposées tentant de résoudre une série de meurtres inexpliqués dans la campagne coréenne des années 80. Bong Joon-ho y capture la tension croissante et le désespoir des enquêteurs face à une affaire qui leur échappe, illustrant magistralement les défaillances institutionnelles et le climat social d'une époque troublée. La photographie sombre et immersive accentue l'atmosphère oppressante, tandis que les dialogues empreints d'humour noir apportent un contraste marquant. La performance exceptionnelle de Song Kang-ho renforce l'intensité dramatique du film, qui alterne brillamment entre moments de tension insoutenable et critique acerbe du système judiciaire coréen. Avec sa mise en scène minutieuse et son final inoubliable, Memories of Murder s’impose comme l’un des plus grands thrillers de l’histoire du cinéma.

3. Mother (2009)

Dans ce thriller émotionnel, Bong Joon-ho raconte l'histoire d'une mère déterminée à prouver l'innocence de son fils handicapé mental, accusé injustement d'un meurtre. Le film explore avec profondeur les limites morales d'une mère prête à tout pour défendre son enfant, quitte à franchir des frontières éthiques troubles. Kim Hye-ja livre une performance exceptionnelle, incarnant avec une justesse rare la douleur et l’obsession d’une mère dont le monde bascule du jour au lendemain. Bong Joon-ho joue avec les codes du thriller et du drame psychologique, transformant une enquête en une exploration bouleversante de la justice et de la manipulation. Avec son propos universel sur l'amour maternel, Mother reste l'une des œuvres les plus marquantes du réalisateur, oscillant entre tendresse et angoisse dans une réalisation d'une précision redoutable.

4. Snowpiercer : Le Transperceneige (2013)

Adapté de la bande dessinée française Le Transperceneige, Snowpiercer dépeint un avenir dystopique où les derniers survivants de l'humanité vivent dans un train en perpétuel mouvement, divisé par classes sociales. Bong Joon-ho utilise ce huis clos pour critiquer avec force les inégalités et la violence du système capitaliste. Porté par un casting international (Chris Evans, Tilda Swinton, Song Kang-ho), le film impressionne par son rythme intense, ses scènes d'action spectaculaires et sa narration incisive. Snowpiercer réussit à combiner divertissement et réflexion politique, offrant une expérience cinématographique marquante.

5. The Host (2006)

The Host réinvente brillamment le film de monstre, en mêlant drame familial, critique environnementale et satire politique. Lorsqu'une créature monstrueuse émerge du fleuve Han et kidnappe une jeune fille, sa famille entreprend une quête désespérée pour la sauver. À travers une réalisation dynamique et des effets spéciaux impressionnants, Bong critique l'incompétence des institutions gouvernementales face aux crises écologiques et sociales. Ce qui distingue The Host des autres films de monstres, c'est son attachement aux personnages et à leur combat humain. Bong Joon-ho ne se contente pas de livrer un spectacle visuel impressionnant, il inscrit son récit dans une réalité sociale marquée par l'échec des autorités et l'inégalité des classes. La famille dysfonctionnelle qui tente de retrouver sa fille devient une métaphore de la lutte des laissés-pour-compte contre un système qui les abandonne. Ce mélange subtil entre l’action, la satire et l’émotion fait de The Host un chef-d’œuvre du genre, alliant divertissement et réflexion sociale percutante.

6. Mickey 17 (2024)

Adapté du roman de science-fiction d’Edward Ashton, Mickey 17 est le nouveau film très attendu de Bong Joon-ho. Porté par Robert Pattinson dans le rôle principal, il suit l'histoire intrigante d'un homme cloné à plusieurs reprises pour accomplir des missions périlleuses sur une planète hostile. Chaque fois qu’il meurt, une nouvelle version de lui-même prend sa place, confrontant ainsi le protagoniste à des questions existentielles complexes. Bong profite de ce scénario futuriste pour questionner l'éthique du clonage humain, l’exploitation des individus dans un système capitaliste extrême et les dilemmes liés à l'identité personnelle. Sa réalisation précise et immersive offre un regard percutant sur les conséquences morales et psychologiques d’un monde où la valeur humaine est constamment sacrifiée au profit de l’efficacité et du rendement.

7. Okja (2017)

Produit par Netflix, Okja est un film émouvant et provocateur qui suit Mija, une jeune fille déterminée à sauver son amie, une créature génétiquement modifiée, des griffes d'une multinationale sans scrupules. Bong Joon-ho y déploie une critique cinglante du capitalisme débridé, de l'exploitation animale et des dérives de l'industrie agroalimentaire, tout en racontant une aventure intime et poignante. Grâce à une mise en scène soignée et un équilibre parfait entre drame et satire, Okja parvient à captiver tout en dénonçant. Les performances marquantes de Tilda Swinton, Jake Gyllenhaal et An Seo-hyun ajoutent une profondeur émotionnelle à ce récit. Ce film est une réflexion sur la comion, le consumérisme et le combat pour la justice, offrant une expérience aussi viscérale qu’émouvante.

8. Tokyo! (2008)

Film collectif réunissant Bong Joon-ho, Michel Gondry et Leos Carax, Tokyo! présente trois courts-métrages explorant différentes facettes de la capitale japonaise. Dans le segment Shaking Tokyo, Bong Joon-ho s'attarde sur la solitude extrême d’un hikikomori, un reclus volontaire, qui vit isolé du monde extérieur depuis des années. Son quotidien millimétré bascule lorsqu’il entre en avec une livreuse de pizza, déclenchant en lui un bouleversement émotionnel inattendu. Ce court-métrage illustre avec subtilité l’aliénation sociale des grandes métropoles modernes et la difficulté de créer des liens authentiques.

9. Barking Dog (2000)

Premier film de Bong Joon-ho, la comédie noire Barking Dog raconte l’histoire absurde d'un homme perturbé par les aboiements incessants d’un chien dans son immeuble. Bien que plus discret, il contient déjà les ingrédients essentiels du cinéma de Bong : humour noir, satire sociale et personnages atypiques. Cette œuvre permet de comprendre l’évolution artistique du réalisateur et révèle déjà sa capacité à traiter des problématiques sérieuses avec légèreté et subtilité.

Où regarder les films de Bong Joon-ho en streaming ?

Ces œuvres remarquables de Bong Joon-ho offrent un regard unique sur la société, mêlant suspense, critique sociale et émotions fortes. Retrouvez-les sur vos plateformes de streaming préférées. Ci-dessous, cliquez sur les logos pour voir uniquement les films disponibles avec vos abonnements, ou sur "réinitialiser" pour afficher l'intégralité de la sélection.

Depuis sa sortie, Paddington s’est imposé comme une référence du cinéma familial, séduisant aussi bien les enfants que les adultes. Avec son humour tendre, son esprit bienveillant et son charme à l’anglaise, le petit ours en duffle-coat bleu a conquis le cœur des spectateurs du monde entier. Mélangeant aventures rocambolesques et émotions sincères, Paddington est bien plus qu’un simple film pour enfants : il véhicule des valeurs de tolérance, de générosité et de persévérance qui touchent toutes les générations.

Si vous avez aimé son univers chaleureux et son humour subtil, sachez qu’il existe d’autres films qui capturent cette même magie. Voici 10 films qui partagent l’humour, l’émotion et l’esprit d’aventure familiale de Paddington, et qui vous feront voyager entre rires et tendresse.

Wonka (2023)

Dans Wonka, Timothée Chalamet incarne une version jeune et rêveuse du célèbre chocolatier imaginé par Roald Dahl. Ce film coloré et plein de magie explore les débuts de Willy Wonka, mêlant humour, chansons et une atmosphère réconfortante.

Tout comme Paddington, Wonka met en avant la gentillesse et la persévérance face aux difficultés. Son héros, déterminé à réaliser son rêve malgré les obstacles, rappelle l’optimisme et la bienveillance de l’ours au duffle-coat bleu. Avec des décors enchanteurs, un humour accessible à toute la famille et un casting charismatique, Wonka capture cette même magie du conte moderne qui fait de Paddington un classique. L’esthétique léchée et l’univers gourmand du film renforcent cette impression de féérie, faisant de Wonka un excellent choix pour les amateurs d’histoires réconfortantes et visuellement superbes.

Pierre Lapin (2018)

Inspiré des livres de Beatrix Potter, Pierre Lapin raconte les aventures espiègles du célèbre lapin en veste bleue. Ce film mêle animation et prises de vue réelles pour donner vie aux facéties de Pierre, qui se heurte à un nouveau voisin bien décidé à protéger son potager.

Drôle et dynamique, Pierre Lapin partage avec Paddington son humour british, son héros malicieux et son message bienveillant sur l’importance de la famille et de l’acceptation. Avec des personnages excentriques et une narration rythmée, ce film est idéal pour prolonger la magie de Paddington. L’animation soignée permet une immersion complète dans cet univers champêtre où les animaux sont aussi attachants que facétieux. De plus, la dynamique entre Pierre et Thomas McGregor ajoute une tension comique savoureuse qui plaira autant aux enfants qu’aux adultes.

Stuart Little (1999)

L’histoire de Stuart, une souris adoptée par une famille humaine, évoque les thèmes d’intégration et d’acceptation que l’on retrouve dans Paddington. Avec son mélange d’humour et d’aventure, ce film illustre parfaitement la difficulté et la beauté de trouver sa place dans un monde qui n’est pas toujours prêt à nous accueillir.

Doté d’effets spéciaux impressionnants pour son époque, Stuart Little propose des scènes drôles et touchantes qui résonneront chez les amateurs de Paddington. Son héros attachant, sa narration fluide et son message sur l’importance de la famille en font une expérience cinématographique incontournable. L’équilibre entre action et moments plus tendres fait de ce film une belle aventure à voir en famille. Le personnage de Snowbell, le chat grincheux, apporte une touche humoristique supplémentaire, rendant le film encore plus agréable.

Fantastic Mr. Fox (2009)

Fantastic Mr. Fox est un film d’animation en stop-motion signé Wes Anderson est une adaptation d’un autre classique de Roald Dahl. Il suit M. Fox, un renard malin qui vole dans les fermes avoisinantes, mettant sa famille et ses amis en danger.

Avec son esthétique travaillée, son humour absurde et son histoire tendre, Fantastic Mr. Fox capture l’excentricité et la chaleur de Paddington. Il met en avant la famille, la résilience et l’importance de s’accepter tel que l’on est. Un film aussi intelligent qu’amusant. Le style visuel unique de Wes Anderson, avec ses couleurs vives et ses personnages excentriques, renforce l’originalité du film. Les dialogues ciselés et l’humour pince-sans-rire ajoutent une profondeur qui plaira autant aux enfants qu’aux adultes amateurs de films bien écrits.

Les Mitchell contre les machines (2021)

Les Mitchell contre les machines est une comédie animée et suit une famille dysfonctionnelle qui devient la dernière ligne de défense contre une révolte des intelligences artificielles.

Avec son humour rapide et une narration énergique, ce film rappelle Paddington dans sa façon de célébrer la famille, l’acceptation des différences et l’absurde. C’est une expérience visuelle explosive qui réussit à être à la fois loufoque et émouvante. En plus d’un style d’animation innovant, le film réussit à mêler humour et moments de sincérité poignants. L’évolution des relations familiales et le parcours initiatique des personnages en font une aventure mémorable, portée par une bande-son dynamique et des scènes d’action inventives.

Babe, le cochon devenu berger (1995)

L’histoire de Babe, un petit cochon qui rêve de devenir chien de berger, est un classique du cinéma familial. Ce film explore les thèmes de l’identité et de l’acceptation, à l’image de Paddington qui doit se faire une place dans sa nouvelle famille londonienne.

Avec une mise en scène attendrissante et un message universel, Babe est un film qui ne laisse personne indifférent. Son esthétique simple et son humour fin en font une aventure familiale inoubliable. Les personnages attachants et les dialogues bien écrits confèrent à Babe une authenticité touchante, renforcée par une mise en scène sobre et efficace.

Ratatouille (2007)

Avec son message inspirant sur la ion et la tolérance, Ratatouille raconte l’histoire de Rémy, un rat talentueux qui rêve de devenir chef. Comme Paddington, ce film célèbre la gentillesse, la persévérance et l’envie de faire le bien dans un monde qui ne nous attend pas toujours à bras ouverts.

La narration fluide, l’animation magnifique et l’humour accessible à tous font de Ratatouille une aventure inoubliable. La précision du détail culinaire et l’ambiance chaleureuse du film en font un véritable plaisir visuel et narratif, où la ion et l’amour du métier sont au centre du récit.

Dragons (2010)

Dans Dragons, Harold, un jeune Viking, se lie d’amitié avec un dragon censé être son ennemi. Comme Paddington, Harold apprend à déer les préjugés et à prouver qu’une amitié improbable peut changer le monde.

Avec ses visuels impressionnants et son émotion sincère, ce film combine aventure et message universel sur la tolérance. L’animation fluide et les scènes de vol à couper le souffle renforcent l’immersion, tandis que l’évolution du lien entre Harold et Krokmou est l’un des plus beaux du cinéma d’animation.

Jean-Christophe & Winnie (2018)

Jean-Christophe, devenu adulte, retrouve ses amis de la Forêt des Rêves Bleus après des années ées à jongler entre les responsabilités du monde adulte. Contrairement à l’enfant insouciant qu’il était, il est désormais submergé par le travail et les soucis quotidiens, oubliant peu à peu la magie et l’innocence de son enfance.

Ce film poignant explore le pouvoir du souvenir, la nostalgie et l’importance de préserver son âme d’enfant. Avec son ton doux-amer, son humour chaleureux et une réalisation qui respire la bienveillance, il rappelle l’émotion sincère et l’optimisme de Paddington. Winnie et ses amis apportent un message universel : parfois, il faut ralentir et redécouvrir ce qui nous rend véritablement heureux.

Wallace & Gromit : Un mauvais pantalon (1993)

Avec son humour absurde et son animation en stop-motion, Wallace & Gromit : Un mauvais pantalon rappelle le charme décalé de Paddington tout en ajoutant une touche de comédie britannique typique. Le film met en scène Wallace, un inventeur excentrique, et son fidèle chien Gromit, embarqués malgré eux dans une intrigue rocambolesque impliquant un mystérieux locataire qui s'avère être un redoutable criminel.

L’animation en pâte à modeler, réalisée avec une précision impressionnante, donne une authenticité unique au film. L’histoire regorge de situations absurdes et de gags visuels qui séduisent petits et grands. Comme Paddington, ce film allie aventure, humour fin et un personnage central maladroit mais terriblement attachant. Un classique du cinéma d’animation à voir et revoir.

Où regarder ces films en streaming ?

Ces 10 films offrent le même mélange d’humour, de tendresse et d’aventure que Paddington. Que vous soyez fan d’animation, de comédies animalières ou d’histoires pleines de cœur, vous trouverez ici votre prochaine dose de bonheur cinématographique. Retrouvez la liste complète ci-dissous et découvrez sur quelles plateformes ils sont disponibles. Cliquez sur les logos de vos services préférés pour voir uniquement les films accessibles avec vos abonnements, ou sur "réinitialiser" pour afficher l’intégralité de la sélection.

Anora a secoué le monde du cinéma et s’est imposé comme un incontournable, décrochant l’Oscar du meilleur film lors de la 97ᵉ cérémonie des Academy Awards en 2025. Réalisé par Sean Baker, connu pour son approche réaliste et immersive du cinéma indépendant (The Florida Project, Red Rocket), le film a conquis la critique et le public par son énergie brute et son portrait saisissant d’une femme naviguant dans un monde sans pitié.

Le film suit Anora Mikheeva, une jeune strip-teaseuse de Brooklyn dont la vie bascule lorsqu’elle tombe amoureuse et épouse Ivan, le fils d’un puissant oligarque russe. Son destin prend un tournant imprévisible alors qu’elle se retrouve embarquée dans une lutte pour sa propre liberté. Grâce à une performance époustouflante de Mikey Madison, qui a également remporté l’Oscar de la meilleure actrice, Anora mêle réalisme social, humour noir et tension dramatique pour livrer une histoire à la fois bouleversante et haletante.

Avec son style de narration immersif, ses personnages vibrants et sa critique sociale acérée, le film fait penser à d’autres œuvres marquantes qui explorent la survie, l’ambition et les illusions du rêve américain. Si vous avez aimé Anora, voici 10 films qui partagent le même regard percutant sur des vies en marge de la société.

Tangerine (2015)

Réalisé par Sean Baker et filmé entièrement sur un iPhone, Tangerine suit une journée mouvementée dans la vie de deux travailleuses du sexe transgenres à Los Angeles. Loin des clichés, le film offre un regard vibrant et authentique sur la communauté marginalisée qu’il dépeint.

Comme Anora, il se distingue par une énergie frénétique, une narration immersive et des personnages qui luttent pour s’affirmer dans un monde qui leur est hostile. Entre humour acerbe et moments poignants, Tangerine offre une exploration sincère et sans concession des liens humains et de la survie dans la jungle urbaine.

Pretty Woman (1990)

Ce classique romantique de Garry Marshall raconte l’histoire de Vivian, une travailleuse du sexe qui voit son destin bouleversé lorsqu’elle rencontre un homme d’affaires riche et solitaire, incarné par Richard Gere. Plus lumineux et idéaliste qu’Anora, le film partage néanmoins des thèmes communs : le déement des stéréotypes, la quête de respect et l’espoir d’une vie meilleure.

Julia Roberts brille dans ce rôle iconique, donnant à son personnage une profondeur qui transcende la comédie romantique classique. Pretty Woman est une version édulcorée mais captivante de l’histoire d’une femme qui défie les attentes de la société et s’imagine un avenir différent.

Uncut Gems (2019)

Les frères Safdie livrent avec Uncut Gems un thriller haletant où Adam Sandler incarne un bijoutier addict au risque, plongé dans une spirale de dettes et de paris désespérés. Avec une mise en scène immersive et un rythme effréné, le film capte l’essence du chaos et du danger constant.

Comme Anora, Uncut Gems est une descente en enfer portée par un protagoniste charismatique mais autodestructeur. Les dialogues nerveux et la tension permanente rendent ce film incontournable pour ceux qui aiment les récits où tout peut basculer à chaque instant.

Red Rocket (2021)

Sean Baker revient avec Red Rocket, l’histoire d’un ancien acteur porno qui tente de manipuler son entourage pour retrouver son statut d’antan. Comme dans Anora, on y suit un personnage principal complexe, oscillant entre charme et opportunisme, dans un décor réaliste et brut.

Le film capture parfaitement l’ambiguïté morale de son héros, tout en mettant en lumière l’Amérique des laissés-pour-compte. Avec son esthétique naturaliste et son humour grinçant, Red Rocket s’inscrit dans la lignée des films qui explorent la survie et la débrouille dans une société impitoyable.

Starlet (2012)

Autre œuvre de Sean Baker, Starlet raconte l’histoire d’une jeune actrice de films pour adultes qui noue une amitié inattendue avec une vieille femme solitaire. Le film adopte un ton plus contemplatif que Anora, mais partage avec lui un regard empathique sur des figures souvent marginalisées.

À travers une mise en scène minimaliste et un jeu d’acteurs tout en nuances, Starlet explore la solitude, l’amitié et les choix de vie qui façonnent un destin. Une œuvre intime et touchante qui résonne avec la quête identitaire d’Anora.

The Florida Project (2017)

Réalisé par Sean Baker, The Florida Project explore la précarité et l’innocence à travers le regard de Moonee, une fillette de six ans vivant dans un motel près de Disney World avec sa mère en difficulté. Entre jeux insouciants et réalités sociales dures, le film juxtapose la magie de l’enfance et la rudesse de la vie adulte.

Comme Anora, il s’attarde sur des personnages en marge, luttant pour s’accrocher à un rêve malgré un environnement hostile. La mise en scène naturaliste et les performances sincères, notamment de Willem Dafoe, offrent une immersion bouleversante dans une Amérique invisible.

American Honey (2016)

Ce road movie d’Andrea Arnold suit Star, une adolescente en fuite qui ret un groupe de vendeurs itinérants sillonnant les États-Unis. Plongée dans un tourbillon de fêtes, de liberté et de désillusions, elle découvre un monde aussi euphorisant que dangereux.

Comme Anora, American Honey capture la vitalité brute des jeunes marginaux, naviguant entre l’espoir d’une vie meilleure et la dure réalité de leur condition. Tourné en caméra portée, le film offre une immersion sensorielle dans ce voyage initiatique, porté par une bande-son envoûtante et une performance magnétique de Sasha Lane.

Zola (2020)

Basé sur un thread Twitter devenu viral, Zola retrace l’histoire hallucinante d’une danseuse de club qui accepte une virée en Floride avec une nouvelle amie, avant que les choses ne tournent au cauchemar. Ce film électrique, réalisé par Janicza Bravo, mêle humour noir, tension et absurdité dans un récit chaotique.

Comme Anora, Zola explore un univers où la naïveté et l’ambition se heurtent à la brutalité du monde réel. Son esthétique stylisée, ses dialogues percutants et son rythme effréné en font une œuvre fascinante et immersive sur les illusions du succès et la précarité des rêveurs.

Good Time (2017)

Les frères Safdie livrent avec Good Time un thriller haletant porté par Robert Pattinson, incarnant un petit escroc tentant de sauver son frère après un braquage raté. Le film se transforme en une course effrénée contre la montre à travers les rues de New York.

Comme Anora, Good Time capte une énergie brute, un monde où chaque choix a des conséquences immédiates et dramatiques. Son esthétique néon, sa bande-son anxiogène et son rythme frénétique renforcent la tension, offrant un portrait captivant de la survie urbaine et de la déchéance morale.

Belle de jour (1967)

Réalisé par Luis Buñuel, Belle de jour suit Séverine, une femme bourgeoise qui, insatisfaite de sa vie conjugale, devient travailleuse du sexe l’après-midi dans une maison close. Entre désir et frustration, le film explore la dualité d’une femme tiraillée entre convention sociale et fantasmes inavoués.

Bien que plus symbolique et surréaliste qu’Anora, Belle de jour partage avec lui un regard perçant sur la condition féminine et la complexité du libre arbitre. Catherine Deneuve livre une performance fascinante dans ce chef-d'œuvre du cinéma qui interroge les normes et la morale.

Victoria (2015)

Tourné en un seul plan-séquence de 2h20, Victoria de Sebastian Schipper est une prouesse technique et un thriller haletant. Il suit une jeune Espagnole à Berlin qui, après une rencontre nocturne, se retrouve embarquée dans un braquage imprévu qui tourne mal.

Comme Anora, Victoria mise sur une immersion totale dans le parcours d’une femme dont la vie bascule en une nuit. Son intensité, son réalisme brut et sa mise en scène audacieuse en font une expérience cinématographique unique et nerveuse, idéale pour ceux qui aiment les récits où tout peut changer en un instant.

Où regarder ces films en streaming ?

Ces 12 films capturent l'énergie brute, le chaos émotionnel et la profondeur humaine qui ont fait le succès d'Anora. Que vous soyez amateur de récits réalistes, de personnages complexes ou d'histoires imprévisibles, ces œuvres offrent une plongée fascinante dans des univers intenses et immersifs.

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Chaque année le 8 mars, la Journée internationale des droits des femmes promeut la lutte contre les inégalités entre les sexes dans le monde entier. Occasion d’action et de mobilisation, cette journée a chaque année un thème différent et en 2025, le choix s’est porté sur “Pour TOUTES les femmes et les filles : droits, égalité et autonomisation”. Des manifestations sont organisées partout en et dans le monde.

Découvrez notre guide complet JustWatch des films indispensables dont la thématique féministe souligne l’importance de l’égalité entre humains. La liste inclut la façon dont vous pouvez regarder chacun des longs métrages proposés.

Erin Brockovich, seule contre tous (2000)

Le film de Steven Soderbergh met en lumière le parcours d’une femme ordinaire, Erin Brockovich, qui découvre un scandale environnemental : une pollution de l’eau qui cause des maladies graves dans la région. Déterminée, courageuse, persévérante, la mère de famille solo et sans diplôme se bat contre plus fort qu’elle et prouve que tout est possible quels que soient son sexe, son origine ou son statut social.

Thelma & Louise (1991)

Deux femmes, jouées par Geena Davis et Susan Sarandon, partent pour un road trip à la recherche d’un échappatoire à une vie monotone et à un trop plein de contraintes sociales. Solidaire dans leur périple et dans le refus de se conformer à une société trop patriarcale, le courageux duo s’émancipe et se bat ensemble contre un système qui échoue à protéger les femmes. 

Frida (2002)

Réalisé par Julie Taymor, avec Salma Hayek dans le rôle principal, Frida retrace la vie de l’artiste mexicaine Frida Kahlo, souvent considérée comme féministe par la vie qu’elle a menée : autonome et indépendante, s’appropriant son corps déformé comme un sujet de revendication et d’expression personnelle (il est le principal sujet de ses tableaux) et refusant les normes esthétiques et sexuelles de son pays et son époque. Le film raconte aussi son mariage tumultueux avec l’artiste Diego Rivera, montré comme un terrain de lutte pour la reconnaissance.

Les figures de l’ombre (2016)

Avec ce portrait de femmes afro-américaines brillantes et déterminées, qui ont joué un rôle crucial dans les missions spatiales des années 1960 malgré les obstacles liés à leur sexe et à leur race, Theodore Melfi montre un combat historique et pas du tout anecdotique. Les trois héroïnes veulent compter dans l’avenir de leur pays, notamment en se positionnant dans des domaines jusqu’à présent réservés aux hommes : l’ordinateur et le métier d’ingénieur notamment.

Colette (2018)

Parler de l’écrivaine française, c’est forcément rendre hommage à une pionnière dans la littérature et les droits des femmes. Son parcours, sa rébellion contre les normes sociales de son époque, la reconnaissance de son indépendance d’artiste l’éloignent des standards de l’époque où les femmes étaient réduites à des rôles d’épouse ou de mère. Une ode à l’affirmation de soi !

Portrait de la jeune fille en feu (2019)

Dans ce drame romantique réalisée par Céline Sciamma situé à la fin du XVIIIe siècle, Marianne, une artiste peintre, doit réaliser le portrait de mariage d’Héloïse, une jeune femme qui vient de quitter le couvent et qui résiste à son destin d’épouse en refusant de poser. Marianne va devoir la peindre en secret. Quête de liberté dans un contexte où les mariages arrangés sont la norme, écoute de son désir, transmission des savoirs et des expériences entre femmes, ce film est riche de pleins de thématiques féministes.

La leçon de piano (1993)

Jane Campion traite de liberté, désir et émancipation à travers le personnage d’Ada, une femme muette qui se bat pour récupérer le piano que son mari n’a pas voulu transporter jusqu’à leur domicile conjugal. En utilisant sa sensualité comme moyen de lutte, ce personnage trouve une forme de liberté et d’affirmation de soi. 

Les filles du Docteur March (2019)

Plus que le film de Greta Gerwig, c’est bien le roman de Louisa May Alcott, qui délivre un puissant récit féministe, notamment avec le personnage de Jo, la soeur cadette déterminée à devenir écrivain et refusant de se marier et mener une vie domestique. Les autres sœurs aussi, chacune a sa manière, essaient d’exister dans le destin tout tracé du mariage arrangé que la société leur assigne.

Les Suffragettes (2015)

Ce film de Sarah Gavron met en lumière comme son titre l’indique l’histoire de la lutte des femmes pour obtenir le droit de vote au Royaume-Uni au début du XXe siècle. Carey Mulligan, Helena Bonham Carter et Meryl Streep incarnent trois femmes de conditions différentes qui luttent violemment pour leurs droits. 

Mustang (2015)

Dans un village reculé de Turquie, Lale et ses quatre soeurs rentrent de l’école en jouant avec des garçons et déclenchent un scandale aux conséquences inattendues. La maison familiale se transforme progressivement en prison et les cours de pratiques ménagères remplacent l’école. Animés du même désir de liberté, les cinq sœurs résistent ensemble pour échapper au carcan familial et social.

Où regarder en streaming les dix films à voir le 8 mars pour la Journée internationale des droits de la femme ?

Les films snobés aux Oscars alors qu’ils méritaient d’être distingués sont nombreux et disponibles en streaming. Voici la liste de ces productions ci-dessous. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

Jugé inclassable, figure de proue du cinéma indépendant américain, très porté sur la mise en lumière de personnages marginaux comme les prostituées ou les strip-teaseuses, Sean Baker a une trajectoire à part dans le cinéma américain et mondial qui lui a valu deux belles reconnaissances ces derniers mois. Au Festival de Cannes en 2024, il remporte la Palme d’or, et en mars 2025 l’Oscar du meilleur film et du meilleur réalisateur qui viennent confirmer l’engouement critique pour son œuvre singulière.

Découvrez notre guide complet JustWatch des huit films de Sean Baker, classés dans l’ordre de nos préférences. La liste inclut la façon dont vous pouvez regarder chacun des longs métrages proposés.

1. Anora

Entre New York et Las Vegas, Anora, jeune strip-teaseuse de Brooklyn, voit sa vie chamboulée quand elle rencontre Ivan, le fils d’un oligarque russe qu’elle épouse dans la foulée. Mais leur conte de fées est menacé une fois la nouvelle parvenue en Russie. La comédienne principale, Mikey Madison, a elle aussi été distinguée aux Oscars. Très inspiré par le cinéma italien, espagnol, japonais et le Nouvel Hollywood, Sean Baker a tourné en 35 mm avec des optiques anamorphiques pour se rapprocher de l’esthétique du cinéma des années 70. 

2. The Florida Project

Deuxième œuvre la plus remarquée de Sean Baker après Anora, ce film raconte le quotidien difficile et malgré tout joyeux et innocent d’une jeune fille, Moonee (Brooklynn Prince), qui vit avec sa mère de manière précaire dans un motel bon marché près de Disney World en Floride. Willem Dafoe incarne le gérant du motel, un personnage complexe mais doué d’humanité. En tournant à hauteur d’enfant, Sean Baker propose une immersion dans ces espaces abandonnés devenus l’environnement des classes ouvrières.

3. Starlet

Comme ses autres films, Starlet s’intéresse à des personnages en marge de la société, ici Jane (Dree Hemingway) une jeune femme de 21 ans, actrice de films pornos en difficulté, qui se lie d’amitié avec une plus âgée de 85 ans, Sadie (Besedka Johnson), vieille dame veuve et esseulée. Au de l’une et de l’autre, chacune va changer. Ce récit d’amitié intergénérationnelle, et contre-récit du rêve américain, a moins fait parler de lui mais se distingue par son approche très délicate de la relation entre les personnages.

4. Red Rocket

Mikey Saber (Simon Rex), ancien acteur de films pour adultes, revient dans sa ville natale après avoir quitté l’industrie du porno. Manipulateur, égoïste mais aussi charismatique et en quête de rédemption, l’homme cherche à se réinventer. Une fable sociale et satirique de l’Amérique qui pointe une nouvelle fois la déliquescence des Etats-Unis en plaçant la lumière sur les laissés-pour-compte du rêve américain.

5. Four Letter Words

Le premier long métrage de Sean Baker est loin d’être le moins intéressant Deux ans après avoir fini le lycée, d’anciens camarades de classe se retrouvent et font le point sur leur vie et leurs idées. Ont-ils changé ou sont-ils restés les mêmes ? Dans une atmosphère de huis clos, Sean Baker e au crible la psyché masculine post-adolescente, d’abord désolante avant de se révéler plus intéressante. Et déjà met en scène des personnages aux multiples facettes.

6. Tangerine

Entièrement tourné à l’iPhone 5, ce film singulier suit le périple de deux prostituées afro-américaines transgenres au cours d’une folle journée à Los Angeles. Avec ce mode de tournage très minimaliste, Sean Baker capte des moments de vie très touchants dans un ensemble foutraque où les héroïnes maltraitées tentent de garder la tête haute. Prix du jury au Festival de Deauville.

7. Take Out

Co-réalisé avec Shih-Ching Tsou, ce film très petit budget suit un sans-papiers chinois travaillant comme chauffeur-livreur à New York, essayant de trouver avant la fin de la journée de l’argent pour régler une énorme dette de contrebande. Avec son approche presque documentaire et son traitement brut, ce film place le spectateur au plus près de la vie de son personnage et sa lutte pour l’intégration. Les choix esthétiques naturalistes du film deviendront un trait distinctif du cinéma de Sean Baker.

8. Prince of Broadway

Drame également dans l’univers des immigrants, Prince of Broadway se e à New York, dans les quartiers les moins glamours et loin des clichés touristiques. Lucky est un vendeur de produits de contrefaçon à la rue qui, après la naissance d’un enfant dont il ignorait l’existence, se retrouve à devoir jongler entre sa vie de petit criminel et ses nouvelles responsabilités paternelles. Toujours au plus proche des vies invisibles, Sean Baker explore cette fois le thème de la paternité inattendue dans un milieu social très défavorisé et la manière dont elle transforme la vie d’un homme. 

Où regarder en streaming les films de Sean Baker, classés ?

Les huit longs métrages de Sean Baker sont disponibles en streaming. Voici la liste de ces productions ci-dessous. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

Très attendue, la nouvelle saison de The White Lotus, la troisième salve d’épisodes, a, comme les précédentes, le chic pour réunir un casting bien fourni de visages familiers du cinéma et de la télévision. Le nouveau groupe de riches vacanciers faisant escale en Thaïlande n’y échappe pas et on vous dit où vous avez précédemment vu ces comédiennes et comédiens.

Découvrez notre guide complet JustWatch des films et séries à voir ou revoir pour découvrir les précédents rôles du casting de cette saison 3 de The White Lotus. La liste inclut la façon dont vous pouvez regarder chacun des longs métrages et séries proposés.  

Leslie Bibb (Kate)

Révélée à la télévision par la série Popular avant d’obtenir un rôle récurrent un an plus tard dans The Babysitter.

Carrie Coon (Laurie)

Reconnue pour ses performances dans les séries SOS Fantômes.

Walton Goggins (Rick Hatchett)

Inspecteur Shane Vendrell dans la série Tomb Raider.

Sarah Catherine Hook (Piper Ratliff)

Victime du tueur en série Jeffrey Dahmer dans la série de Netflix First Kill.

Jason Isaacs (Timothy Ratfliff)

L’incontournable Lucius Malfoy de la saga The Patriot.

Michelle Monaghan (Jaclyn Lemon)

Connue à la fois pour ses rôles au cinéma (Gone Baby Gone de Ben Affleck.

Sam Nivola (Lochlan Ratliff)

Surtout connu pour son rôle dans le film The Staircase où il interprète un des enfants de Kathleen Peterson, d’après une histoire vraie.

Parker Posey (Victoria Ratliff)

Après s’être fait connaître dans The Good Wife.

Patrick Schwarzenegger (Saxon Ratliff)

Le fils d’Arnold Schwarzenegger et de l’ex-journaliste Maria Shriver s’est fait remarquer dans des films comme Midnight Sun, où il joue un jeune homme amoureux d’une fille atteinte d’une maladie rare.

Aimee Lou Wood (Chelsea)

Dans La vie extraordinaire de Louis Wain où elle interprète Emily Richardson.

Où regarder en streaming les films et les séries avant de découvrir la saison 3 de The White Lotus ?

Les films et séries permettant de voir les acteurs de la saison 3 de The White Lotus avant d’attaquer les épisodes sont disponibles en streaming. Voici la liste de ces productions ci-dessous. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

En quinquagénaire bien décidée à vivre plus que survivre - quatre ans après avoir perdu son Marc Darcy - Bridget Jones a récidivé pour un dernier chapitre. Pas le moins agité puisque l’immature célibataire londonienne tente de concilier sa vie de mère solo avec une envie de renouer avec la gent masculine. Si vous avez vu Bridget Jones : folle de lui, vous vous laisserez charmer par d’autres comédies romantiques du même acabit.

Découvrez notre guide complet JustWatch des comédies romantiques les plus feel good du cinéma. La liste inclut la façon dont vous pouvez regarder chacun des longs métrages proposés.  

Des comédies romantiques comme les films Bridget Jones

1 - Love Actually (2003)

Avec Noël en toile de fond, ce patchwork de relations amoureuses qui s’entrecroisent jouit d’un casting trois étoiles (et d’une bande-son entêtante) : Hugh Grant et Colin Firth (comme dans les Bridget), Liam Neeson, Keira Knightley, Emma Thompson, Alan Rickman, Martin Freeman, Billy Bob Thornton…

2 - Coup de foudre à Notting Hill (1999)

Un libraire londonien rencontre une star américaine. Malgré leurs mondes opposés, ils vivent une romance dans le charmant quartier londonien de Notting Hill. Toujours avec Hugh Grant (décidément) et Julia Roberts pour incarner la star Anna Scott. Le point commun avec Love Actually et les deux premiers opus de Bridget Jones ? Richard Curtis, le scénariste, à qui l’on doit aussi Quatre Mariages et un enterrement !

3 - Quatre mariages et un enterrement (1994)

Toujours avec Hugh Grant dans le rôle-titre, ce film va d’événement en événement énoncés dans le titre, pour tisser une romance mais aussi de belles histoires d’amitiés. En plus d’être drôle, cette comédie porte un regard acide sur le mariage tout à fait savoureux.

4 - Le mariage de mon meilleur ami (1997)

Julianne (Julia Roberts) et Michael O’Neal ont une liaison courte et ionnelle. Depuis, ils sont restés amis et se sont promis de se marier ensemble si aucun des deux n'était engagé à l’âge de 28 ans. Mais à quelques jours de l’échéance, Michael annonce à Julianne qu’il va épo Kimberly (Cameron Diaz) et elle va tout faire pour l’en empêcher.

5 - Pretty Woman (1990)

Une romance moderne entre un homme d’affaires (Richard Gere) et une prostituée, magistralement interprétée par Julia Roberts (encore elle !), dont la carrière décolle après cette prestation.

6 - Ghost (1990)

Sam Wheat et Molly Jensen, un couple de new-yorkais, s’aiment mais leur vie bascule le jour où Sam est agressé et abattu dans la rue. Mais devenant un fantôme, il réussit à entrer en avec sa femme via une voyante un peu hystérique. Un film culte des années 1990, avec Patrick Swayze et Demi Moore.

7 - Crazy Amy (2015)

Une jeune journaliste qui collectionne les amants d’un soir remet en cause ses principes en tombant sous le charme d’un célèbre médecin sportif. Une comédie romantique signée Judd Apatow, qui amène un côté grinçant et trash.

8 - 20 ans d’écart (2013)

Virginie Efira et Pierre Niney jouent un couple avec un écart d’âge conséquent dans un comédie romantique française qui n’a rien à envier à ses consoeurs anglo-saxonnes.

9 -  The Holiday (2006)

Une Américaine et une Anglaise, toutes deux déçues des hommes, décident, sans se connaître, d’échanger leurs appartements. Une bonne idée de départ où Kate Winslet joue une partition impeccable.

10 - L’amour sans préavis (2003)

Hugh Grant de retour (dans notre classement) pour une comédie où il joue de nouveau un patron inable, incapable de voir que l’amour se trouve sous son nez, incarné par Sandra Bullock qui jour une avocate. Gaffes et maladresses ne sont pas sans rappeler la personnalité de Bridget.

11 - Ce que pensent les hommes (2009)

Les hommes et les femmes ne se comprennent décidément pas. Démonstration avec cette réjouissante comédie romantique chorale où plusieurs filles (que des stars) se demandent ce qui cloche dans leur couple ou leur rencontre.

12 - L’arnacoeur (2010)

Un briseur de couples professionnel tombe amoureux de la fille d’un client. De ce pitch rigolo naît une rom com française très sympathique, avec un duo charmant et également des personnages secondaires savoureux.

13 - 27 robes (2008)

Elle enchaîne les mariages mais seulement comme demoiselle d’honneur ! Eternelle célibataire, Katherine Heigl porte à merveille les 27 robes, dans un scénario imaginé par l’auteur du Diable s’habille en Prada. Une comédie à l’américaine pleine de bons sentiments.

14 - Pour un garçon (2002)

Les créateurs de Bridget Jones ont imaginé un trentenaire londonien célibataire endurci qui s’invente un fils pour draguer les mères célibataires. Un divertissement qui vaut surtout pour l’ironie dont abuse le personnage de Hugh Grant.

15 - Sex and the City (1998)

La série de Darren Star avec Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Cynthia Nixon et Kristin Davis a été révolutionnaire à son époque. Pour la première fois, des femmes seules et célibataires parlaient sans gêne de sexualité, épilation, désir féminin et autres règles.

Où regarder les films rappelant les films de Bridget Jones dans l’ordre en streaming ?

Les quatre films mettant en scène la plus gaffeuse des célibataires londoniennes donnent envie d’explorer d’autres rom com françaises ou anglo-saxonnes. Voici une liste de 15 productions incontournables qui nous ont paru importantes à mentionner. Vous pouvez cliquer sur le logo des services de streaming pour voir quels films sont disponibles sur vos plateformes. Ou ne rien cocher du tout pour voir où sont disponibles les films tous services confondus.

La science-fiction n'a jamais été aussi populaire, et ces dernières années ont vu l’arrivée de nombreuses séries marquantes qui explorent le futur, l’espace, les mondes parallèles et les dystopies. Mais la Science-Fiction est loin de se résumer à l'exploration du futur ou de réalités alternatives. C'est un genre qui permet d'explorer des sujets profonds comme l'humanité, l'existence, le bonheur, la liberté ou même la réalité elle-même.  Entre suspense, réflexions philosophiques et visuels spectaculaires, le genre s'est réinventé pour captiver une nouvelle génération de spectateurs.

De notre côté, nous avons essayé de trouver les meilleures séries de science-fiction de ces dernières années. Celles qui nous ont bousculé, dérangé, ou même qui nous ont empêché de dormir, car elles nous ont poussés à d'intenses réflexions.

Severance

Un thriller psychologique de science-fiction captivant où des employés d'une entreprise subissent une procédure qui dissocie leur vie professionnelle de leur vie personnelle. Réalisé par Ben Stiller et porté par Adam Scott, Severance offre une ambiance terriblement oppressante et un mystère qui ne cesse de s’épaissir au fil des révélations. Derrière chaque réponse se cachent plusieurs nouvelles questions. La série explore l'aliénation au travail, le libre arbitre et les dérives du capitalisme et de la technologie appliquée au monde de l'entreprise. Avec un rythme maîtrisé et une esthétique minimaliste, elle plonge le spectateur dans un monde glaçant où chaque révélation alimente une tension permanente. Encensée par la critique, elle s'impose comme l'une des œuvres les plus marquantes de l’histoire des séries télévisées.

Silo

Dans un futur où l'humanité vit confinée dans un silo souterrain gigantesque, une femme découvre des secrets qui remettent en question toute la structure de leur société. Inspiré de la saga littéraire de Hugh Howey, Silo offre une intrigue véritablement prenante et une construction de monde fascinante. La série excelle dans l’art de bâtir un univers post-apocalyptique immersif, avec une atmosphère claustrophobique renforcée par un mystère qui donne une folle envie d’en savoir plus. L’esthétique sombre et l’attention portée aux détails en font une référence en matière de science-fiction dystopique. Entre drames humains et révélations effrayantes, Silo se démarque par une narration soignée et une tension constante qui tiennent le spectateur en haleine. À la fin de chaque saison, on aurait envie d’ouvrir le livre pour connaître la suite tellement le mystère est prenant. 

Foundation

Adaptation ambitieuse du chef-d'œuvre d'Isaac Asimov, Foundation relate la chute et la renaissance d'un empire galactique à travers des siècles d'intrigues politiques et scientifiques. En plus d’être une claque visuelle, cette série propose un récit audacieux qui mérite toute l'attention des fans de SF. Avec ses décors grandioses et son casting impressionnant, elle transforme l’œuvre d’Asimov en une fresque qui mélange enjeux politiques, guerres interstellaires et questionnements philosophiques. En dépit des libertés prises avec le matériau d’origine, Foundation demeure une proposition ambitieuse qui illustre parfaitement l’ampleur et la richesse de la science-fiction moderne.

Loki

Dans cette série Marvel, Loki, le dieu de la malice incarné par Tom Hiddleston, se retrouve entre les mains du Tribunal des Variations Anachroniques (TVA), une organisation qui surveille le flux temporel. Suite aux événements d’Avengers: Endgame, il découvre une conspiration qui remet en question toute la réalité. Pour les amateurs de paradoxes temporels et d’univers alternatifs, Loki offre une expérience de science-fiction palpitante, pleine de rebondissements et d’humour caractéristique du MCU. En plus d'introduire de nouveaux concepts temporels dans l'univers Marvel, la série permet d'explorer un Loki plus vulnérable, mettant en lumière son évolution en tant que personnage à travers les différentes timelines. Loin d’être une série de superhéros, Loki entre dans les codes de la science-fiction et expose des personnages complexes dans une histoire qui l’est tout autant. On ne peut que vivement conseiller la série, même pour celles et ceux qui ne sont pas forcément fan de Marvel.

Arcane

Basée sur l’univers du jeu League of Legends, Arcane est une série d’animation steampunk qui explore la rivalité entre les villes jumelles de Piltover et Zaun. Elle suit le destin de deux sœurs, Vi et Jinx, alors que des tensions politiques et des avancées technologiques menacent leur monde. Encensée pour son animation époustouflante et sa profondeur émotionnelle, la série est une référence incontournable pour les amateurs de science-fiction et de fantasy dystopique. Grâce à une narration soignée et une direction artistique exceptionnelle, Arcane s'est imposée comme l'une des meilleures séries d'animation de ces dernières années. On en vient à se demander si Arcane n’est vraiment qu’une série à tel point on a l’impression d’assister à un sublime spectacle. 

Fallout 

Adaptée de la célèbre franchise de jeu vidéo, Fallout plonge les spectateurs dans un monde post-apocalyptique ravagé par une guerre nucléaire. Se déroulant dans un futur où l'humanité tente de survivre dans des abris souterrains et des terres désolées infestées de mutants et de factions hostiles, la série met en lumière les luttes de pouvoir, la survie et les conséquences des choix humains sur un monde en ruines. Fidèle à l’ambiance des jeux, Fallout mélange action, satire sociale et science-fiction rétro-futuriste pour offrir une vision aussi captivante qu’effrayante d’un futur où la technologie et la nature humaine s'affrontent dans un décor dystopique. La série parfaite pour rigoler et être horrifié en même temps.

Calls 

Calls est une série expérimentale unique en son genre qui raconte des histoires angoissantes uniquement à travers des dialogues audio, accompagnés de visuels minimalistes. Chaque épisode plonge le spectateur dans une intrigue mystérieuse, souvent teintée de science-fiction et d’horreur psychologique. Grâce à son format innovant et immersif, Calls parvient à captiver sans même montrer d’images traditionnelles, jouant sur l’imagination et la tension dramatique. Son approche minimaliste est une véritable prouesse narrative qui prouve qu'une histoire bien racontée n’a pas nécessairement besoin d’effets visuels spectaculaires pour être marquante. Casser les codes, explorer de nouvelles façons de raconter, c’est exactement ce qu’on attend de la science-fiction ! 

Dune: Prophecy

Spin-off de l’univers de Dune, cette série explorera les origines du Bene Gesserit, l’ordre mystérieux qui manipule la politique et la génétique de l’empire galactique. Plongée dans les mythes et les intrigues du cycle de Frank Herbert, elle promet de développer davantage l’univers riche et complexe de Dune, avec une approche plus politique et philosophique. En se concentrant sur l’évolution et les secrets de cette puissante organisation, Dune: Prophecy offrira un regard inédit sur les forces en jeu dans cet univers emblématique.

1899

Par les créateurs de Dark, 1899 suit un groupe de migrants européens en route vers l’Amérique dont le voyage tourne au cauchemar lorsqu’ils croisent un navire disparu en pleine mer. Mêlant mystère, horreur et science-fiction, la série utilise une narration fragmentée et une imagerie saisissante pour captiver les spectateurs. Malgré son annulation prématurée, 1899 reste une expérience visuelle et narrative remarquable. Son ambiance énigmatique et son scénario complexe en font une œuvre qui mérite d’être découverte malgré son unique saison. C’est en effet le genre de série qui nous pousse à questionner notre rapport au réel. Malgré quelques longueurs, 1899 vaut le détour. 

Alice in Borderland

Basée sur le manga de Haro Aso, Alice in Borderland plonge ses personnages dans un Tokyo déserté où ils doivent participer à des jeux mortels pour survivre. Chaque défi met à l’épreuve leur intelligence, leur endurance et leur morale. Avec une intrigue bien ficelée, une tension permanente et des plot twists qui nous feraient bondir sur nos sièges, la série est une excellente alternative à Squid Game, avec une dimension plus science-fictionnelle et psychologique. Alice in Borderland s’est imposée comme une des séries les plus addictives du catalogue Netflix.

Invasion 

Cette fresque de science-fiction suit une invasion extraterrestre à travers plusieurs points de vue à travers le monde. Avec une approche centrée sur l'humanité et des effets visuels impressionnants, Invasion renouvelle le genre en adoptant une narration émotionnelle et immersive. Plutôt que de se concentrer uniquement sur le spectaculaire, la série mise sur l’impact psychologique d’une telle catastrophe sur des personnages ordinaires. L’invasion se dévoile lentement, favorisant une tension croissante et une immersion totale dans les différentes intrigues qui se déroulent sur plusieurs continents. Ce parti pris narratif la distingue des productions classiques sur le même thème et en fait une série singulière et prenante.

Où regarder ces séries en streaming ?

Vous souhaitez plonger dans ces univers fascinants ? Toutes ces séries sont disponibles sur diverses plateformes de streaming telles que Apple TV+, Netflix, Prime Video ou encore HBO Max. Ci-dessous, cliquez sur les logos de vos services préférés pour voir uniquement les titres accessibles avec vos abonnements, ou sur "réinitialiser" pour afficher l’ensemble de la sélection.